Associazione Musicale Mario Tiberini

2012-02-11T00:08:00.000-08:00

Firenze Teatro Comunale

Il viaggio a Reims di Rossini

(Venerdì 20 gennaio 2012)

Di Giosetta Guerra

Il Viaggio a Reims, rinato da Dio nel 1984, continua a vivere in modo umano e come tale lo dobbiamo valutare.
Nel nuovo allestimento del Teatro Comunale di Firenze la scenografia colorata e festosa di Italo Grassi ci introduce in una moderna beauty farm con piscina, palestra, sauna, lettini per massaggi, tapis roulants della Technogym, l’angolo pranzo e con moduli semoventi e cambi a vista si adegua ai diversi ambienti. Sulla parete della piscina all’inizio c’è una carta politica dell’attuale Unione Europea, poi alla fine sul fondale giganteggia l’insegna LYS D’OR (=Giglio d’oro), nome della stazione termale di Plombières.
Il regista Marco Gandini popola questa beauty farm di massaggiatori, ginnasti, nuotatori, camerieri, cameriere, infermiere, che servono i vip ospiti della struttura in attesa di andare a Reims per l’incoronazione di Carlo X. Alla fine, vista l’impossibilità di proseguire il viaggio, la festa si svolge all’interno della beauty farm, dove si esibisce una compagnia di ballo formata da saltimbanchi e clown con palloni di varie dimensioni che poi finiscono in piscina e ogni vip canta una lode al re. Tutti prima o poi finiscono in piscina e alla fine, come se non bastasse il bagno che si son fatti, tutti vengono innaffiati con spruzzi di spumante.
I palloni hanno i colori delle bandiere delle nazioni, quelli dell’Italia e della Grecia hanno dimensioni più piccole.
Le luci di Marco Filibeck contribuiscono a vivacizzare le scene, come i moderni costumi di Maurizio Millenotti, atti ad accentuare il carattere e la nazionalità dei protagonisti.
La musica di grande pregio per brillantezza, dinamismo, raffinatezza di scrittura che inserisce l’ ironia dell’opera buffa in grandi pagine da opera seria, è interpretata discretamente dal direttore Daniele Rustioni alla guida dell’Orchestra del Maggio Musicale Fiorentino, che a volte manca di verve, a volte è troppo sonora, ma è dolcemente struggente sotto il canto di Corinna.
Bravi Susanna Bertuccioli all’arpa nell’ “Improvviso” di Corinna e Guy Eshed nel solo di flauto della grande aria di Lord Sidney.
La fitta coloratura e la raffinata scrittura vocale di questa cantata scenica, le arie, i duetti e gli insiemi musicali di grandi proporzioni richiedono voci duttili, ricche e smaglianti.
Il cast messo insieme dal Comunale di Firenze ha soddisfatto in parte queste esigenze.
Auxiliadora Toledano (Corinna in pantaloni e mocassini bianchi e giacca bordò da impiegata comunale) ha una vocina pulita e armoniosa nella linea melodica, svettante negli acuti, agile nelle ornamentazioni e nei trilli (fa le agilità anche col corpo), canta e modula bene, ma il volume è poco e l’emissione stretta nei suoni medi.
Marianna Pizzolato in tailleur pantalone rosso affronta le colorature acrobatiche della Marchesa Melibea con voce duttile e morbida, acuti sostenuti, gravi deboli.
Una bionda Madama Cortese vestita di verde si sposta con la sedia a rotelle ma poi cammina; è Eva Mei, soprano pulito, agile, con facilità d’emissione soprattutto nei trilli e negli acuti brillanti che emergono nei pezzi d’insieme, approssimativa nel sillabato che si sente poco. L'avrei vista meglio nel ruolo di Corinna, anche fisicamente.
La capricciosa Contessa di Folleville col cagnolino è Leah Partridge (abito chiaro a bolli con fitte balze arricciate, borsa e scarpe rosse), che tiene una melodiosa linea di canto nell’aria iniziale di disperazione a carattere comico, il soprano ha un bel corpo vocale con centri densi, acuti facili e scintillanti, bel colore, buone agilità, duttilità nella coloratura e nel canto di sbalzo, favolosi sovracuti tenuti e sonori, peccato che proprio quello finale non sia venuto bene. Nel momento del malore canta sdraiata sulla barella alzando e mostrando le gambe.
Il Cavalier Belfiore, che in pantaloni bianchi, giacca blu e baschetto rosso entra in piscina poi si tuffa in un’altra vasca sotto una pioggia di fiori, ha la voce chiara, pulita, acuta e ben proiettata del tenore cinese Yijie Shi: la tecnica è buona, la dizione precisa, il suono è a volte trattenuto, il fiato corto nel canto fiorito.
Lawrence Brownlee in divisa militare nera e rossa entra con padronanza vocale e scenica nel ruolo del Conte di Libenskof: abile nel canto di coloratura e di sbalzo, ha voce agile e di bel timbro, consistente nella zona media e grave, luminosa negli slanci acuti e incisiva nell’accento.
Mirco Palazzi è vocalmente un pregevole Lord Sidney. Nella grande aria “Ah perché la conobbi” esibisce voce bellissima, ampia, ben modulata nel canto morbido, corposa negli splendidi suoni gravi, duttile nell’elaborata coloratura tendente al comico. Purtroppo il regista gli fa fare cose inaudite: si aggira nervosamente, poi si toglie i vestiti da esploratore, si immerge nella piscina e nuota, canta la seconda parte “Dall’alma diva” restando a bagno fino al petto, poi esce e si avvolge con un accappatoio. Il suo canto è disturbato dalla confusione creata da coro e orchestra.
Marco Camastra, nel ruolo di Don Profondo in giacca gialla e pantaloni blu, è un bravo e versatile artista, la voce è estesa, ben proiettata e ben gestita, poco variegato è l’accento delle lingue straniere nella caratteristica aria “Medaglie incomparabili” con bauli in scena, il sillabato tipico del basso buffo non è ben scandito.
Bruno Praticò in abito militare coi bermuda e la benda sull’occhio è padrone del palcoscenico e della tecnica di canto del buffo nel ruolo del Barone di Trombonok.
Canta bene ma è senza gravi Vincenzo Taormina (Don Alvaro).
Gabriele Ribis (Don Prudenzio con camice da dottore e stetoscopio) è un basso comico poco consistente e senza gravi.
Per Don Luigino c’è Enrico Cossutta, tenore in voce; Maddalena, in nero, ha la vocina che non supera l’orchestra di Annunziata Vestri; Antonio è Giovanni Bellavia, basso timbrato con voce ampia e sonora e buoni gravi; il tenore Saverio Bambi è piuttosto insicuro nel ruolo di Gelsomino, Modestina è Silvia Mazzoni e Zefirino è Mario Bolognesi.
Buono il Coro del Maggio Musicale Fiorentino, preparato da Piero Monti, un po’ sotto tono la sezione femminile nella grande aria di Lord Sidney.

2012-02-10T23:36:00.000-08:00

Roma Teatro dell’Opera

Candide
operetta filosofica e brillante tratta dal racconto di Voltaire, musicata da Leonard Bernstein, testi di Richard Wilbur, Stephen Sondheim, John LaTouche, Dorothy Parker, Lillian Hellman e Leonard Bernstein.

Produzione 2007 del San Carlo di Napoli

(18 gennaio 2012, prima)

di Giosetta Guerra

Erotismo e vivacità in un’esplosione di luci e colori

Il fantasioso regista Lorenzo Mariani risolve la difficoltà di ricreare le numerose e diversissime ambientazioni, mostrando sullo schermo i luoghi delle peripezie di Candide attraverso quattro continenti, pertanto fa svolgere la storia in uno studio televisivo anni ’50, dove proietta anche i quadri di Larry Rivers. Le scene e i costumi, coloratissimi, fantasiosi, scintillanti sono rispettivamente di Nicola Rubertelli e di Giusi Giustino. Bellissimo il fluttuare delle immagini sul fondale (idea ed elaborazione di Luca Attilii e Fabio Massimo Iaquone), Appropriate le luci di Franco A. Ferrari e le coreografie di Seàn Curran.
La musica brillante che non disdegna il tango argentino e il valzer straussiano, il ritmo scandito anche dalle percussioni e dal rullante, le ballerine con piume e succinti costumi da cabaret, gli ammiccamenti erotici, lo sfarzo dei colori, il fantasmagorico sfavillio delle luci, la predominanza del canto d’insieme, la scrittura vocale basata sulla tessitura centrale ci riportano in mente il musical di Brodway.
Pertanto, se i quartetti e i quintetti sono gioiosi e vivaci e il coro riempie il teatro di magnifiche sonorità, le voci soliste non hanno troppo risalto e in un teatro grande come quello di Roma si perdono un po’.
Inoltre l’intricato labirinto dei temi sociali e musicali rendono l’opera slegata e difficile da seguire.
Candide ha la voce del baritenore Michael Spyres, che cantando sul fiato gestisce bene in tutti i registri un corpo vocale consistente con suoni sostenuti, ma alleggeriti nelle pagine melodiche.
Jessica Pratt è una biondissima Cunegonde (con abiti ora bamboleggianti ora da femme fatale in pose osées), il soprano affronta con voce luminosa, duttile e agile virtuosistici passaggi di coloratura e acuti stratosferici, ma il suono si espande poco nei registri medio e basso. Non ritengo adatto alla sua magnifica voce un ruolo che si sviluppa prevalentemente nei registri di centro.
Bravo interprete con bella gettata di voce è il baritono Bruno Taddia (Maximilian, Captain e Tsar Ivan),

buono il volume del baritono Derek Welton (Pangloss, Martin, Cacambo), consistenti i suoni del mezzosoprano Jane Henschel (The Old Lady), buoni gli acuti del tenore John Graham Hall (Governor, Vanderdendur, Ragotski), corretta Elena Rossi (Paquette).
Le voci dei numerosi comprimari sono da musical.

Inquisitor I, Charles Edward Gregory Bonfatti tenore
Inquisitor II, Croupier, Armando Gabba baritono
Inquisitor III, King Stanislaus, Filippo Botteschi basso
Sultan Achmet, Crook, Thomas Morris tenore
Hermann Augustus, Antonio Barbagallo baritono
Grand Inquisitor, Alessandro Matera
Cosmetic Merchant, Andrea La Rosa tenore
Doctor, Daniele Massimini baritono
Bear-keeper, Antonio Taschini basso
Alchemist, Francesco Giannelli tenore
Junkman, Fabio Tinalli baritono
Senor I, Giordano Massaro tenore
Senor II, Andrea Buratti tenore
Lo splendido Coro del Teatro dell'Opera di Roma diretto da Roberto Gabbiani contribuisce a vivacizzare le scene con la sua costante presenza, con camicie bianche rosse e blu come la bandiera francese, con una straordinaria bellezza e pienezza del suono. Bravo!
Il versatile Wayne Marshall dirige l’Orchestra del Teatro dell’Opera, trasmettendo fin dall’Ouverture il dinamismo della partitura e cangiando la tinta col cangiar degli ambienti e degli strani avvenimenti.
Piuttosto monotona Adriana Asti che, seduta sul proscenio, impersona Voltaire ed è la voce narrante che sostituisce i dialoghi.

Foto Luciano Romano, M. C. Falsin

2012-02-01T10:09:00.000-08:00

Ancona
Teatro delle Muse
Le Nozze di Figaro
di Mozart
(29 gen. 2012)

Allestimento super splendido per un cast di bravi giovani

Di Giosetta Guerra

La magia di Così fan tutte e la vitalità del Don Giovanni tornano nell’allestimento super splendido di Le Nozze di Figaro alle Muse di Ancona, uno spettacolo fresco e vivace, con tutte le smanie della gioventù, che trapelano, in maniera velata, anche nei personaggi più maturi.
La regia che studia nei dettagli la psicologia dei personaggi per delinearne fisicità, gestualità e abbigliamento (avete notato i grandi bottoni luccicanti della tonaca di Don Basilio?), i colori morbidi dei costumi (magnifici quelli maschili di foggia settecentesca), le scene di legno e specchi, lineari ed essenziali, con un unico elemento caratterizzante per ogni ambiente, ma di forte impatto visivo, sono opera di Pier Luigi Pizzi, che punta l’accento su una garbata e stuzzicante espressione dell’eros e sulla dinamicità dei giovani protagonisti. Le splendide luci di Vincenzo Raponi creano atmosfere accattivanti e sospese.
A proposito dell’abbigliamento, i maschi hanno il codino e indossano pantaloni al ginocchio, redingote lunghe o corte, stivali o scarpe d’epoca, le femmine mostrano i loro veri capelli e indossano abiti pastello con grembiule marrone, la contessa camicia da notte bianca con sontuosa vestaglia damascata rossa e beige, poi un sontuoso abito della stessa stoffa del mantello.
Tutti si muovono bene in palcoscenico e sono molto naturali, coinvolgendo lo spettatore nel gioco delle parti.
Vocalmente gli artisti sono ben preparati e realizzano la tinta mozartiana insieme all’Orchestra Filarmonica Marchigiana diretta da Guillaume Tourniaire, un’orchestra garbata e discreta nella funzione di semplice commento strumentale, che si colora di delizie nelle pagine musicali più scoperte.
Salta in primo piano, non solo perché è protagonista ma perché è veramente bravo, il Figaro di Riccardo Novaro, basso versatile e sicuro nell’uso di una bellissima voce, ampia, corposa, sonora e ben timbrata, e nell’abilità ad eseguire con precisione le varie dinamiche vocali, esibendo dizione chiarissima, buone espansioni in ogni registro. Eccellente in “Non più andrai” dove fa anche delle variazioni. Bravo anche nel canto sillabato (“Tutto è disposto”).
Carmela Remigio, la Contessa, porge bene una voce bella, estesa e luminosa, tiene a lungo i suoni che talvolta peccano in fermezza, l’accento è incisivo e la proiezione decisa, dolcissima in “Dove sono i bei momenti”, dove sfoggia un bel canto a mezza voce, lunghi filati sospesi e pienezza del suono nelle frasi più veementi.
Alessandro Luongo (un bel Conte di Almaviva che si presenta con completo nero e bellissima redingote bianca lunga) canta bene nonostante una voce fibrosa e di medio spessore.
Adriana Kučerová, Susanna con abitino beige e grembiule marrone, esibisce una melodiosa linea di canto con buoni gravi e acuti robusti.
Elena Belfiore (Cherubino in nero e beige) ha voce modesta nei gravi ma ben modulata nelle progressioni acute, è approssimativa nella
scansione delle parole (“Non so più cosa dico”).
Giacinta Nicotra (Marcellina in abito giallo, cappellino con veletta e guanti neri) ha voce sonora, agile nei i trilli e negli acuti, va bene nei recitativi, ma è un po’ traballante ed insicura nella sua aria.
Luca Dall’Amico (Don Bartolo in nero) è un buon basso con voce ampia ed estesa e poco controllo della tessitura acuta.
Luca Canonici (nel duplice ruolo di Don Basilio in abito nero, lungo pastrano d’un bel viola carico e parrucca bianca, e di Don Curzio balbuziente) è un professionista dai buoni mezzi vocali e dall’accento ben scandito.
Maria Abbate, Barbarina, esibisce una vocalità melodiosa proiettata con delicatezza e proprietà di fraseggio (“L’ho perduta”) .
William Corrò, un Antonio un po’ caratteriale, ha una buona grana vocale.
Yuliya Poleshchuk, Tatia Jibladze sono due donne in beige e grembiule viola in rappresentanza del Coro Lirico Marchigiano “Vincenzo Bellini”, che diretto da Simone Baiocchi canta fuori scena.
Col nuovo allestimento prodotto dalla Fondazione Teatro delle Muse si chiude il ciclo della trilogia mozartiana, curata da Pier Luigi Pizzi.

2012-01-23T08:26:00.000-08:00

San Lorenzo in Campo (PU) Teatro Tiberini

(1 dicembre 2011)

GLI INNAMORATI di Goldoni

Servizio di Giosetta Guerra

Ritmo ed eleganza per una produzione Synergie Teatrali del Teatro Ventidio Basso di Ascoli Piceno

con Isa Barzizza alla ribalta

Il Teatro Tiberini di San Lorenzo in Campo (PU), che da vent’anni ospita gli artisti più prestigiosi della lirica col Premio Mario Tiberini, ogni tanto ha in cartellone anche noti attori della prosa.
Con la commedia goldoniana Gli Innamorati abbiamo avuto la possibilità di vedere da vicino la nota attrice Isa Barzizza, una delle “bellissime” del teatro leggero e musicale del dopoguerra che lavorò con attori e registi di fama internazionale, come Ruggeri, Macario, Totò, De Filippo, Garinei e Giovannini, Monicelli, Proietti ecc ecc.
Nel ruolo della zia Fabrizia la Barzizza, vestita di rosso, ha sfoderato tutta la sua classe con una presenza da prima donna raffinata e non debordante, con una recitazione fluida e composta, con un timbro vocale giovane ed accattivante. Al suo fianco un cast di giovani attori ben preparati e padroni dell’arte scenica, a cominciare da Selvaggia Quattrini, degna figlia di Paola Quattrini, nel ruolo di Eugenia, nobile ragazza milanese decaduta, sincera e di buon cuore, ma puntigliosa e gelosissima del suo innamorato Fulgenzio, ragazzo impulsivo della ricca borghesia, impersonato da Stefano Artissunch che è anche il regista della pièce. I due bravi attori esprimono con varietà d’accento e d’espressione gli umori altalenanti dei due giovani innamorati sempre sul piede di guerra per orgoglio e gelosia, dando vita a esilaranti battibecchi, che hanno come argomento fisso la di lui cognata Clorinda, interpretata brillantemente da Laura Graziosi la quale si cala con camaleontica versatilità anche in altri ruoli come quello del servitore e, sulla linea di Arlecchino servitore di due padroni, porta la maschera, saltella ed ha la gestualità caricata della commedia dell’arte. Elemento moderatore della situazione è la saggia vedova Flaminia, sorella maggiore di Eugenia, figura ibrida impersonata con studiato equilibrio dal bravo attore Stefano De Bernardin in abiti femminili rigorosamente neri e castigati. Di Eugenia è innamorato anche il ricco conte romano Roberto, interpretato da Stefano Tosoni, che con padronanza scenica e attoriale ricopre anche altri ruoli. Il ritmo della recitazione è serrato, la ripetitività dei gesti rende tutto estremamente caricaturale, tutti sono agitati. Il linguaggio goldoniano è forbito e, come in Shakespeare, non si può perdere neanche una parola.
La trama è molto semplice (gli innamorati con le loro inutili inquietudini da una parte, personaggi caricaturali con alcuni tic o manie dall’altra, al centro la saggezza di Flaminia e lo sprint della zia Fabrizia), ma ricca di situazioni comiche tipiche della commedia dell’arte e, come nelle opere rossiniane, ad un certo punto scoppia il temporale.
Il regista Stefano Artissunch è molto attento ai dettagli, cura l’espressività del gesto, il ritmo della parola, gli ingressi e le uscite dei personaggi a passo di danza su musiche d’epoca.
E le musiche scelte, insieme ai bellissimi costumi settecenteschi, alla raffinatissima scenografia semovente e al preciso disegno luci, danno un tocco di prestigio a questo spettacolo che riesce a mescolare nella macchina teatrale il serio e il faceto con effetti di sicura comicità e con un risultato di esilarante piacevolezza.
Musica colta quindi, di compositori del 700 come Bach (Preludio per violino), Vivaldi (concerto in do magg), Mozart (movimenti di Sonate: Andante, Rondò, Allegretto), Haendel (Trionfo del tempo e del disinganno) e di compositori contemporanei come Philip Glass con Metamorphosis 2.

2012-01-22T03:42:00.000-08:00

Fano Teatro della Fortuna
(10-11 gennaio 2012)

Napoletango

Teatro del nonsense
o teatro di movimento?

Servizio di Giosetta Guerra

Ci vuole una bella fantasia per confezionare uno spettacolo apparentemente incomprensibile ma ricco di temi che scopri dopo un’attenta riflessione.
Il titolo è fuorviante, non è un’esibizione di tango, a parte un bel tango all’inizio della seconda parte, ma uno spettacolo in movimento a tempo di tango, una sorta di musical, con una ventina di esilaranti attori alla ricerca spasmodica di un’identità, personale, etnica, lavorativa, boh, vattelapesca, visto che il linguaggio usato, un napoletano stretto con qualche parola in italiano, è incomprensibile.
Domina la napolitanità quella più “caciarona”, più rumorosa, più confusionaria; le persone fanno di tutto: arrivano, partono, mangiano, bevono, dormono, si vestono, si spogliano, si mostrano nudi dietro un telo trasparente fluttuante che simula la doccia, camminano, ballano, gesticolano in modo isterico, mimano, tremano, urlano, non trovano proprio pace se non quando ogni tanto si fermano per formare dei quadri d’insieme con la tecnica del fermo immagine.
Il tutto avviene a tempo di tango, con musiche di Piazzolla e canzoni d’un tempo, come La cumparsita, Adios muchacos, La Paloma, Core ’grato, scelte da Harmonia Team, Davide Mastrogiovanni.
Il regista Giancarlo Sepe punta sull’effetto visivo delle scene d’insieme, curando la sincronia dei movimenti, l’intemperanza dei caratteri, l’esasperazione e la ripetitività della gestualità e della recitazione fino all’esasperazione, mettendo in scena nudità e seminudità che non disturbano, usando la platea per le entrate e le uscite degli attori e per farli interagire col pubblico (alla fine attori e attrici scelgono il partner tra la gente e ballano).
Le luci di Umile Vainieri sono eccezionali: ora coloratissime, ora bianche puntate sul pubblico o a fasci che tagliano una fitta nebbia, sono da avant spettacolo nel secondo atto che si apre col titolo luminoso tipo grande insegna da cabaret e specchi sul fondale che raddoppiano la scena.
I costumi bellissimi di Carlo De Marino, autore anche delle scene, realizzano un cromatismo vario e scintillante in tema con la follia di apparenti nonsense.
Vista l’incomprensibilità del linguaggio e del testo stesso, la prima parte poteva essere più breve, non è la lunghezza o la ripetitività delle azioni o il numero dei temi trattati a far emergere la validità e la resistenza fisica degli attori, che sono bravi per il ritmo, per la dinamicità, ma anche per ricordare un testo che non ha nulla di lineare.
Uno spettacolo difficile sia per gli attori sottoposti ad un ritmo frenetico, sia per il pubblico costretto a decifrare l’impenetrabile linguaggio della parola e dell’azione, comunque ben fatto e alla fine divertente.

2012-01-05T01:50:00.000-08:00

J. S. SCHRÖTER 6 Piano Sonatas, op. 1 •

Luigi Gerosa (pn) •

DYNAMIC 602

Fino al 2009 la discografia dedicava soltanto due produzioni a Johann Samuel Schröter, un autore del secondo settecento che entrò in contatto con Mozart il quale lo stimò molto.

Vent’anni fa Paul Angerer, solista alla direzione del “Concilium Musicum” di Vienna, incise per la Koch un cd dedicato a 4 dei 6 concerti per piano e orchestra op. 3 di Schröter, (proprio quelli che Mozart eseguì scrivendo per essi anche le cadenze).

Solo nel 2006 si è aggiunto un altro disco della Sony Classical a cura del grande Murray Perahia accompagnato dalla English Chamber Orchestra: in programma, oltre a Mozart, sempre uno dei concerti op 3.

Nel 2009 la Dynamic arricchisce il panorama con un nuovo cd dedicato, invece, all’opera solistica di Schröter: le 6 sonate op 1 per pianoforte.

Protagonista è il pianista Luigi Gerosa, un musicista alla continua ricerca di letteratura musicale rara o inedita, il quale, con questa incisione in prima mondiale, non solo ci fa conoscere queste pregevoli composizioni ma concentra in un solo disco l’opera omnia per pianoforte di questo autore: le altre opere di Schröter, infatti, sono dedicate, oltre al già citato genere piano/orchestra, alla musica da camera, che vede il pianoforte sempre presente ma non solista.

Queste sei sonate, per precisa indicazione di Schröter, sono dedicate sia al pianoforte (in realtà fortepiano settecentesco), sia al clavicembalo; va detto che all’epoca in cui furono scritte, i due strumenti convivevano: la transizione definitiva dal cembalo al pianoforte avviene in tempi successivi. Tuttavia, viste le precise indicazioni dell'autore in merito alle dinamiche: forte, piano, crescendo, diminuendo etc. che non sono realizzabili al cembalo e ascoltando gli Allegri iniziali, le pagine di andamento lento e di carattere espressivo, come l’Adagio della Sonata n. 1, il Capriccio e l’Andante della Sonata n. 6, si evince che le sonate sono certamente pensate per il piano. Non a caso Schröter era noto ai suoi contemporanei per la raffinatezza del suo pianismo, sempre volto alla ricerca delle sfumature.

Alcune di queste Sonate ci riportano alle coeve sonate mozartiane, in particolare l’Allegro Moderato della Sonata n. 1, il Menuetto della Sonata n. 3, l’Allegro della Sonata n. 6.

Nell'ultima sonata in tre movimenti (la sesta, in Re maggiore) il carattere pianistico è molto più marcato. Il terzo ed ultimo, detto "Capricio", brano conclusivo del cd, è pensato come una lunga cadenza virtuosistica e molto "pianistica", con introduzione andante e cantabile. La particolarità è che all'interno del brano è prevista un'ulteriore cadenza affidata all'esecutore, una "cadenza nella cadenza" scritta quindi dallo stesso Gerosa che non lascia percepire alcuna discontinuità.

In linea col pianismo di Schröter l’esecuzione di Gerosa su un moderno Steinway si basa non su un pianismo vigoroso ma sull’eleganza e la delicatezza del tocco.

Il gusto e la precisione esecutiva del pianista ben si sposano con la gradevolezza della musica.

La solida tecnica pianistica, l’agilità e il lancio delle dita, l’espressività del tocco, la finezza del gusto permettono al pianista di spaziare dai suoni fluidi e galleggianti ai suoni più densi, dai trilli leggiadri e scintillanti agli affondi più consistenti, dai ritmi trascinanti ai toni sommessi e confidenziali, dalla rapidità delle scale e dei suoni staccati e cadenzati alla delicatezza degli andamenti lenti e alla morbidezza dei suoni legati.

Si raccomanda l’ascolto di questo disco che ci consente di incontrare un musicista che alcuni musicologi accostano alla figura di Chopin, protagonista indiscusso del primo ottocento: entrambi pianisti acclamati, entrambi dediti alla composizione di opere solo pianistiche, entrambi còlti coetanei da una fine prematura.

2011-12-15T10:01:00.000-08:00

Fano Teatro della Fortuna

Nabucco di Giuseppe Verdi

(10 dicembre 2011)

Di Giosetta Guerra

Nel 150° anniversario dell’Unità d’Italia il Teatro della Fortuna di Fano apre la stagione operistica con Nabucco di Giuseppe Verdi, un’opera corale che più di ogni altra riassume lo spirito risorgimentale.

L’Orchestra Sinfonica Rossini, diretta da Roberto Parmeggiani, apre con l’Inno di Mameli, poi si addentra nella lunga ouverture tenendo inizialmente tempi piuttosto lenti. Si apre il sipario su una scala bianca che occupa totalmente e amplia otticamente lo spazio del palcoscenico, dilatato verso la platea con una passerella attorno alla fossa mistica. Colpisce subito il biancore assoluto creato dalle masse corali con tuniche bianche, bianco su bianco, reso ancor più vivido dal contrasto col fondale arancione illuminato dal basso. Per tutta l’opera il Coro, distribuito sulla scala, sul proscenio, sulla passerella, in piedi, inginocchiato, raggruppato, fermo o in movimento, in piena luce o in penombra, con i bianchi sparati o ammorbiditi dal gioco delle luci, disegna figure flessuose dando vita a quadri di grande morbidezza. Lo stile di Massimo Gasparon, autore di scene, costumi (sempre magnifici) e luci, emerge in tutta la sua armonia ed eleganza, senza ricorrere a scene complicate e costose. Solo piccoli moduli vengono inseriti ogni tanto sulla scala per creare podi su cui posizionare artisti o elementi simbolici, come un menorah, candelabro ebreo a sette braccia, l'idolo di Belo e un trono dorato;

per la nota pagina corale “Va pensiero” il regista fa sedere i coristi tutti bianchi sulla passerella attorno all’orchestra buia, quasi a stringerla nella cupa morsa della tristezza.

Il colore degli abiti è coprotagonista: bianco per il popolo ebreo, blu per gli assiri, giallo, azzurro, bordò, oro per i ruoli principali.

Bellissimi e luminosi i costumi “plissé” delle due donne protagoniste.

Non ci sono le danze.

Dal punto di vista vocale la partitura è particolarmente insidiosa, ogni interprete deve raggiungere il limite massimo delle sue capacità sia naturali che tecniche.

Nell’edizione fanese domina la figura di Zaccaria (in tunica bianca), interpretato dal basso Michele Pertusi, un artista completo, dalla presenza scenica autorevole ma non invadente, dalle qualità vocali di preziosa lega, fatta di bel colore caldo, suono ampio e maestoso, qualità gestite con un’alta tecnica d’emissione (canto sul fiato, uso della messa di voce e del canto sfumato, appoggio e tenuta del suono), che gli permette una padronanza assoluta dei vari registri, una linea di canto morbida ed omogenea, un fraseggio accurato, un modo di porgere incisivo nell’accento e accattivante nella comunicativa con perfetta resa della parola scenica e valorizzazione dei dettagli.

Ismaele (in tunica bianca e piedi scalzi) è Luca Canonici che giunge dalla platea correndo; il tenore, padrone del canto sfumato e del canto appassionato, porge con bell’accento una voce limpida e di bel timbro, alternando fraseggi dolci a momenti vigorosi e acuti luminosi.

Il baritono Giovanni Meoni canta sul fiato e modula bene una voce dal bel timbro piuttosto chiaro, estesa e pulita, ben proiettata con lunghi fiati, bel legato, accento incisivo, emissione fluida, attacchi sul fiato, suoni ben tenuti, ma manca d’imperio nel tratteggiare il carattere di Nabucco.

Il soprano Paoletta Marrocu è coraggiosa ad affrontare la terrificante scrittura musicale violenta e lanciata riservata ad Abigaille, primo autentico soprano drammatico di agilità, che richiede notevole spessore e ricchezza vocale, tenuta nel registro grave, duttilità, estensione e sostegno del fiato per eseguire sia il canto di forza sia quello di coloratura, qualità che la Marrocu possiede in parte. La sua voce è bella, la grana è densa e vibrante nei centri, ma gli acuti sono taglienti e sparati, il soprano esegue gli sbalzi d’ottava e gli affondi ma si sente il passaggio al grave che è di petto, la linea di canto è poco omogenea perché, a mio avviso, il ruolo è troppo pesante per lei. Brava nella scena della morte.

Agata Bienkowska Fenena ha un bel modo di porgere, ma i mezzi vocali non sono eccelsi e così la dizione.

La liricità di questo grande affresco corale trova la sua ottimizzazione nel Coro del Teatro della Fortuna Mezio Agostini preparato da Lorenzo Bizzarri, la cui sonorità riempie il teatro, l’amalgama è pieno e compatto nelle pagine più vigorose e ripiega su dinamiche morbide e sfumate nelle pagine di maggior raccoglimento.

Roberto Parmeggiani, sul podio dell’ Orchestra Sinfonica Rossini, coglie l’efficacia drammatica di questa musica vibrante di spiriti risorgimentali e la sviluppa con movimenti e sonorità a volte incalzanti, a volte morbidi e discreti.

Bel successo.

2011-12-08T13:18:00.000-08:00

Cremona-Teatro Ponchielli

Roméo et Juliette di Gounod

(18 nov. 2011)

Dieci e lode alla Juliette di Serena Gamberoni.

Di Giosetta Guerra

A una giovane donna dalla pelle diafana, occhi azzurri, lunghi capelli neri e dalla voce d’angelo certamente chiedereste: “Ma tu sei Giulietta?” E lei vi risponderebbe: “Oui, je suis Juliette”.

Al Teatro Ponchielli di Cremona Juliette, figlia di Capuleti, è Serena Gamberoni, sempre vestita di bianco. L’artista unisce “le physique du rôle” a un mezzo vocale limpido, luminoso, fresco, esteso, duttile nei trilli, scintillante negli acuti, il suono è melodiosissimo nelle mezze voci e nel canto a fior di labbra, fulminante negli slanci acutissimi (“Amour, rianime mon courage”); nella nota arietta “Je veux vivre” la voce si apre e si amplia nelle strepitose progressioni acute, poi si alleggerisce fino al sussurro; dopo aver baciato Romeo il canto s’arricchisce di sfumature. Il soprano porge bene, conosce l’arte del canto sul fiato e la tecnica dell’emissione morbida e vive l’amore e il dramma con intenso trasporto emotivo.

Un suggestivo il fil di voce emesso in posizione supina la rende sublime nella scena della morte accompagnata da una musica straziante.

Roméo, figlio di Montecchi, è Jean-François Borras

che, naturellement, ha una buona pronuncia francese. Il tenore ha voce chiara, estesa, con vibrato, una voce resistente che si spiega luminosa in zona acuta dove raggiunge alte tessiture (“Je veux la revoir”), anche se si sente il passaggio di registro, padroneggia il canto spiegato di forza con squillo eroico e voce tesa, sa ammorbidire e tenere lunghi suoni, ma a volte la voce non regge il canto a fior di labbra; deve perfezionare la linea di canto e l’emissione.

Park Taiwan (Capulet, padre di Giulietta)

ha voce cupa di basso, estesa, poco ferma e poco gradevole, senza gravi e senza spessore.

Mihail Dogotari (Mercutio amico di Romeo ) è un bravo baritono con voce timbrata e sonora e Saverio Fiore (Tybalt nipote di Capuleti) è un tenore deciso con voce di bel timbro. Il basso Abramo Rosalen (Frère Laurent) ha voce ampia e timbrata con buoni gravi. Il mezzosoprano en travesti Silvia Regazzo (Stéphano, paggio di Romeo) gestisce bene una voce estesa e di bel timbro. Carlo Di Cristoforo (le Duc de Vérone) è un basso dal bel colore vocale.

Il mezzosoprano Nadiya Petrenko è Gertrude, balia di Giulietta, il baritono Francesco Masinu è Paris, il baritono Romano Dalzovo è Gregorio, servitore dei Capuleti, il tenore Marco Voleri è Benvolio, amico di Romeo.

L’allestimento del regista-scenografo Andrea Cigni è atemporale perché una storia d’amore non ha età, infatti noi l’abbiamo sentita molto vicina anche grazie agli atteggiamenti e alle effusioni degli artisti molto più consoni alla fisicità dei nostri tempi, ma anche grazie ai costumi contemporanei di Massimo Poli. La scena fissa è costituita di uno spazio che si modifica col gioco delle luci prevalentemente blu (light designer Fiammetta Baldisserri), i rari arredi sono simbolici, come il letto insanguinato sospeso in aria all’inizio, calato a terra nelle scene d’amore e di morte, circondato di candele quando diventa il letto funebre di Juliette.

Pagine liriche di infinita dolcezza, romantiche e melodiose, trovano la loro espressione nella brava Orchestra Lirica I Pomeriggi Musicali diretta da Michael Balke, che conferisce densità e drammaticità al tessuto sonoro nelle scene più forti.

I Capuleti vestiti di bianco e i Montecchi di nero sono impersonati dal fantastico Coro del Circuito Lirico Lombardo, inizialmente disposto su una balconata e poi portato in scena alla West Side Story per la lotta tra le due fazioni; i coristi, preparati da Antonio Greco cantano con espressività e hanno un bel modo di porgere e di amalgamare il suono.

Il pubblico ha risposto con calorosi applausi.

RIGOLETTO DI VERDI

2011-12-05T08:37:00.000-08:00

Jesi Teatro Pergolesi

Rigoletto di Verdi

Le roi s’amuse… e i giovani artisti emozionano

(27 nov. 2011)

Di Giosetta Guerra

La scenografia, ideata da Massimo Gasparon per l’Arena Sferisterio di Macerata, posta sul palcoscenico del Teatro Pergolesi di Jesi, annulla la profondità degli

ambienti, ma crea maggior intimità. Il modulo architettonico girevole con affreschi del Tiepolo sulla prima faccia, un grande portale in pietra bianca sulla seconda e una facciata lignea con scala sulla terza, delinea i luoghi della vicenda, che il regista Gasparon fa svolgere durante il carnevale di Venezia, riportandone fantasmagoria e magnificenza nello scintillante cromatismo dei bellissimi costumi da lui ideati e nell’armoniosa distribuzione delle masse.

Il cast, formato da giovani all’altezza dei ruoli, era sostenuto da un’orchestra sempre presente ma mai invadente. Strappi orchestrali deflagranti col ghigno degli archi sottolineano la vestizione a vista di Rigoletto, presentato con la maschera e il costume di Pulcinella, un ritmo di danza accompagna l’ingresso di un popolo festante e l’organizzazione dello scherzo del rapimento, poi l’orchestra tuona sulla maledizione di Monterone ed esprime col languore degli archi le paure di Rigoletto, mantiene la tensione emotiva con suono discreto e tempi morbidi nel duetto di Gilda col padre, disegna un ricamo nella supplica di Rigoletto a Marullo sottolineata dal pianto dei violini, incalza nella promessa della vendetta; il flusso sonoro è percorso da brividi nella discussione tra Sparafucile e sua sorella, per esplodere fortissimo e inquietante sotto il grido disperato di Gilda che ha sentito tutto e tornare teso e sinistro in finale. L’Orchestra Filarmonica Marchigiana era diretta dal bravo maestro Giampaolo Maria Bisanti.

La rivelazione della serata è stata per me il giovane baritono Simone Piazzola. Dotato di bella cavata di voce, imponente ma non pesante, di grande volume ed estensione e ricca di colori, il baritono ha cantato in maschera con suoni alti, rotondi e ben proiettati, facendo uso della messa di voce con fiati sospesi e tenuti, ha eseguito bene sia il canto a fior di labbra che quello irruento a voce piena, mantenendo una linea di canto morbidissima specialmente nei duetti con Gilda.

Scenicamente credibile per il gesto e l’interpretazione intensa, lo era un po’ meno per l’aspetto troppo giovane.

Ci ha convinto in corso d’opera anche la Gilda della giovanissima Irina Dubroskaya, che, dopo un inizio un po’ in sordina e con dizione poco chiara, ha fatto sfoggio di una vocalità limpida, agile, primaverile, di trilli tenuti, di acuti trasparenti e luminosi, di emissione fluida e di canto in maschera, l’aria “Caro nome” è stata cantata benissimo, col cuore, con modulazioni sensibilissime e con le dinamiche vocali richieste e nel duetto “Tutte le feste al tempio”, oltre al bel legato e alla buona tecnica di canto, è emersa la varietà dei cristalli della sua voce.

Nel ruolo del Duca di Mantova Shalva Mukeria ha elargito con generosità una voce chiara, estesa e solida, dallo squillo sicuro (“Questa o quella”); il suono, piuttosto rigido perché nasaleggiante nella zona media, si ammorbidisce nel canto a mezza voce e diventa luminoso quando passa al registro acuto, il tenore porge con vigore e potenza una voce dagli acuti taglienti e sovracuti svettanti sopra un’orchestra pompante nel rapimento di Gilda (“Ella mi fu rapita”, “Possente amor mi chiama”), l’accento è incisivo e la dizione chiara; la padronanza scenica e la facilità d’emissione conferiscono credibilità e comunicativa al personaggio.

Il basso Eugeniy Stanimirov Iossifov, nel ruolo di Sparafucile, ha esibito bella voce scura, morbida, con gravi consistenti e tenuti a lungo; Pasquale Amato come Monterone ha un mezzo vocale scuro ampio e sonoro; Saverio Pugliese (Matteo Borsa) è un tenore chiaro.

Veronica Senserini (Giovanna) ha usato bene una voce dai suoni scuri, rotondi e tenuti; il mezzosoprano Alessandra Palomba (Maddalena) ha cantato con voce offuscata senza spessore né volume; debolino è risultato il soprano Miriam Artiaco nel ruolo della Contessa di Ceprano.

Gli altri: i baritoni Mirko Quarello (Marullo) e Marian Reste (Il Conte di Ceprano) e il soprano Bianca Tognocchi (un paggio della Duchessa).

Bravo scenicamente e vocalmente il Coro Lirico Marchigiano “V. Bellini”, ben preparato e diretto da David Crescenzi.

Curiosità

Il Duca di Mantova fu un ruolo caro anche al tenore marchigiano Mario Tiberini che lo debuttò nelle Antille nel 1855 e lo interpretò in America tra il 1855 e il 1857, lo cantò poi a Barcellona (1859) con Angiolina Ortolani che sposò nello stesso anno, a Napoli (1861-62), a Firenze (1862), a Madrid (1868-69). “Il tenore, accattivante nei pezzi di grazia e di sentimento, nei pezzi di forza ha trovato il modo di farsi applaudire senza far spreco inutile di voce”.

2011-11-30T13:53:00.000-08:00

UN CONCERTO STELLARE ORGANIZZATO DA PARMA LIRICA

Il trionfo di Dimitra Theodossiou

(Parma 25 nov. 2011)

Di Giosetta Guerra

La regina del melodramma italiano ha tenuto un altro concerto di beneficenza nella città di Parma presso l’auditorium di Parma lirica per il quarantennale del circolo culturale. Come i grandi cantanti dell’800 si prodigavano in Beneficiate a favore della causa italiana, così Dimitra Theodossiou offre la sua arte a beneficio di varie associazioni liriche ed umanitarie. Onore al merito.

La sera del 25 novembre 2011 l’auditorium era gremito di gente, che ha osannato la divina ad ogni sua aria, cantata con tutti i colori richiesti dalla scrittura musicale e interpretata con tutte le sfaccettature richieste dal personaggio. Un’intensa Leonora, una struggente Desdemona, una coinvolgente Lina, una penetrante Aida, una bieca Lady Macbeth, una dolce Mimì sono sfilate in palcoscenico con la voce e il gesto di Dimitra Theodossiou, accompagnata al pianoforte dal suo inseparabile maestro Simone Savina.

Il concerto ha inizio con l’attacco morbido di “Pace, pace” da La Forza del destino di Verdi, agganciato alle inquietanti note introduttive del pianoforte, che mantiene poi un tessuto sonoro delicato sotto l’espressività del canto, l’intensità vocale del soprano cresce sul tocco denso del pianista, si dissolve in un filato ed esplode come un fulmine nella Maledizione.

Nella lunghissima “Ave Maria” dall’Otello di Verdi, che tocca tutti i registri, gli attacchi in pianissimo, il fraseggio icastico, i filati rinforzati, gli slanci improvvisi nelle zone più impervie, uniti alla coscienza melodrammatica dell’artista fanno di Dimitra Theodossiou una Desdemona di riferimento. Tutti ne siamo rimasti coinvolti; anche il pianista, cui sono riservati brani di collegamento di struggente bellezza, ha accompagnato il canto con una sorta di devozione fino a suonare ad occhi chiusi la nota acuta che sostiene il lungo filato finale della preghiera.

L’aria di Lina “A gli scranni eterei” da Stiffelio di Verdi, opera che Dimitra debutterà prossimamente al Regio di Parma, inizia con una pagina pianistica molto intensa con note gravi, trilli, crescendo in fortissimo che si scioglie in morbidi suoni, le mani del Savina danno vita ad una sinfonia aerea che ammorbidisce un canto di dolore, interpretato dalla Theodossiou con padronanza della parola scenica, con l’iride dei colori della sua bellissima voce, spinta verso ardue tessiture e ripiegata su lunghi filati densi di armonici.

Un’esplosione di luce esce dal pianoforte all’apertura dell’aria di Aida “Ritorna vincitor”, nella quale i fortissimi di Dimitra si alternano col canto a fior di labbra sul tocco sfiorato del Savina.

Poi, preannunciata dal tocco violento e lacerante del pianista, entra la Lady, come in trance; con un canto misto di violenza e di dolcezza, con frasi quasi parlate, affondi gravi e voce sparata all’estremo in puntature acute fulminanti sostenute dal vigore del tocco pianistico, la Theodossiou esprime la follia della lady Macbeth nella notissima aria “La luce langue”, bissata a furor di popolo.

La voce della Theodossiou torna melodiosa e struggente nel bis “Sì, mi chiamano Mimì” da La Bohème di Puccini ed è un crescendo di emozione che si spiega e si dilata dalla frase “Ma quando vien lo sgelo” in poi. Sublime.

Nel corso della serata la Theodossiou si è alternata col baritono Maurizio Leoni che si è fatto apprezzare per il mezzo vocale e per l’interpretazione: una grande voce robusta ed estesa usata con morbidezza nella scena e morte di Rodrigo (Don Carlo di Verdi) e con irruenza in “Eri tu” da Un Ballo in Maschera, con suoni rotondi, ben proiettati e ricchi di vibrazioni sopra il tocco ora luminoso, ora morbido, ora variegato, ora possente del pianista, il quale trasmette anche la violenza e il dolore di Rigoletto nell’invettiva “Cortigiani vil razza dannata”, interpretata dal baritono con una varietà di colori e d’intensità, e scava nell’anima di Macbeth con lanci vigorosi e trilli a sostegno di una voce di notevole spessore e dei lunghi fiati del baritono nell’aria “Pietà, rispetto, amore”, fino a ricamare trine preziose nell’aria della morte di Don Quichotte di Jacques Ibert “Ne pleure pas, Sancho”, che Leoni ha proposto come bis con la tecnica del canto sfumato e della messa di voce.

Poi i duetti del soprano col baritono. Chiude la prima parte il duetto infuocato Conte-Leonora “Udiste” con cabaletta da Il Trovatore di Verdi, duetto che mette a confronto la potenza vocale dei due cantanti mentre le mani di Simone Savina corrono sulla tastiera con un ritmo incalzante e i trilli e gli acuti iperbolici del soprano sono sostenuti dai fuochi d’artificio del pianoforte. A chiusura della seconda parte il duetto di grande presa emotiva Macbeth-Lady “Regna il sonno su tutti” presenta una Lady dallo sguardo spiritato che canta a fior di labbro sopra il trillo del pianoforte e un re con l’angoscia nella voce sottolineata dalla varietà dei colori del suono pianistico.

Grande cantante e grande attrice, quindi artista di genio e d’ispirazione, Dimitra Theodossiou non disgiunge l’arte del canto da quella del palcoscenico, non trascura nulla del personaggio, ogni frase, ogni accento, ogni gesto giunge a scuotere le fibre

dello spettatore e a entrare nella sua anima; l’ammirazione cresce ogni volta che la si ascolta, perché il suo è un canto ispirato, fatto di finezze rarissime, di fraseggio squisito, d’incisività d’accento, di cesello della voce, è un’artista che nulla trova di arduo e d’insuperabile e che raggiunge l’eccellenza dell’arte. I suoi concerti sono un susseguirsi di scene d’opera, anche con i dovuti cambi d’abito.

E la voce? Dio mio, che voce! Ti dirò dei colori: ve ne sono a mille a mille; ti dirò della potenza: incredibile; ti dirò dell’estensione: strabiliante; ti dirò dei suoi acuti: lancinanti; ti dirò dei suoi filati: penetranti; ti dirò dei suoi affondi: inquietanti.

E gli occhi? Espressione vibrante dell’innocenza di Desdemona e dell’ingenuità di Mimì, diventano torvi nella follia della Lady e tornano al sorriso, quando il pubblico, impazzito, l’acclama in standing ovation.

E che dire del Maestro accompagnatore?

Dal pianoforte escono le sfumature e le dinamiche del suono grazie al tocco sensibile e all’estro raffinato di Simone Savina, che, concentrato sul suo strumento, è sostegno e complice discreto del cantante nel trasformare in emozioni le intenzioni musicali; l’artista rifugge da gesti plateali, ma basta notare il lancio, la flessibilità e la libertà delle sue dita, la leggerezza e la potenza del tocco nell’alternanza di accenti deboli e forti, le significative pause sotto i filati adamantini e lunari del soprano, la mano che a volte si solleva quasi a dirigere il canto, il fremito del capo, gli occhi che si chiudono nei momenti più sublimi, per capire come la musica percorra il suo essere e lo renda prezioso interprete del discorso musicale, esposto in prima linea nei collegamenti melodici solistici.

Ha presentato brani e artisti Patrizia Monteverdi.

La Bohème a Fidenza

2011-11-26T09:45:00.000-08:00

FIDENZA TEATRO MAGNANI

“LA BOHÈME” IN UNA SOFFITTA DI LUSSO

(Venerdì 11 novembre 2011)

Di Giosetta Guerra

Varcata la soglia d’ingresso alla platea del Teatro Magnani di Fidenza, ti trovi in un teatro di tradizione elegante e armonioso, ma l’occhio è attratto dal particolare palcoscenico costituito da una sala molto grande magnificamente affrescata.

È la stupenda camera acustica le cui pareti sono tele dipinte da Girolamo Magnani, uno dei più grandi scenografi dell’Ottocento, recentemente restaurate e lì poste alla visione del pubblico.

Ebbene in questo prezioso ambiente si svolge la vicenda dei bohémiens, che, se non hanno legna da ardere, possono riscaldare l’anima con la vista dell’arte. Ovviamente non ci sono i tetti di Parigi né le insegne del Café Momus né gli sbarramenti della barrière d’enfer, ma solo alcuni elementi che ricordano a chi già lo sa dove sono ambientati i quattro quadri dell’opera.

Il regista Riccardo Canessa, per non coprire questa bellissima scenografia naturale, immagina che quella sia la stanza di casa Puccini dove il maestro in persona prova l’allestimento della sua Bohème; qui arrivano i cantanti già in costume fine ottocento ideati da Artemio Cabassi (brutti quelli delle due donne, migliori quelli maschili), qui Puccini, impersonato dallo stesso regista, in piedi o seduto al pianoforte li controlla e qui ha inizio la prova e, ovviamente, l’opera per noi.

I quattro bohémiens si muovono a loro agio, sono giovani, baldanzosi e pieni di speranze. Fra loro si distingue Gianfranco Montresor (Marcello) per un bel mezzo vocale, solido, esteso, timbrato, robusto, pulito, per la rotondità e la morbidezza del suono, per la naturalezza e la fluidità d’emissione senza forzature neanche nel canto a voce piena, per l’accattivante modo di porgere una voce calda e una fascinosa presenza scenica (quando apre le braccia sembra abbracciare il mondo).

Nel ruolo di Rodolfo il giovane tenore Paolo Fanale ha le physique du rôle, squillo robusto e lunghi fiati sostenuti, la voce poco pulita in zona centrale è luminosa in zona acuta, ma gestita quasi sempre sul forte, eludendo la tinta pucciniana, che ritorna quando la voce si adagia nella morbidezza del canto. Pietro Toscano (Colline) deve mettere a fuoco un mezzo vocale di bel colore scuro, l’interpretazione superficiale di “Vecchia zimarra” è aggravata da una dizione incomprensibile. Donato Di Gioia (Schaunard) ha voce baritonale dal suono deciso e sonoro e Romano Franceschetto nel ruolo caricaturale di Benoit esibisce bella voce ferma e di spessore, mentre il regista Riccardo Canessa, registrato nella locandina col cognome materno (Riccardo Carloni), si presenta nei panni di Alcindoro.

Non è riportato il nome del tenore chiaro acuto che veste i panni di Parpignol.

E veniamo alle donne. Il soprano lirico Daria Masiero è una Mimì in carne piena di energia. Canta per lo più a voce spiegata, anche “Sì, mi chiamano Mimì”, comunque va apprezzata la sua grande voce che diventa melodiosa quando si alleggerisce e si piega alla dolcezza del canto a fior di labbro (“Fingevo di dormire”). Alla fine è la musica di Puccini che emoziona. Roberta Canzian (Musetta) ha voce melodiosa, duttile, estesa e brillante e canta molto bene “Quando me n’ vo”.

Per lo più schierati in palcoscenico, il Coro dell’Opera di Parma e il Coro di Voci Bianche della Corale Verdi, ben preparati e diretti da Emiliano Esposito e da Beniamina Carretta, completano la parte vocale.

Non sempre appropriato il disegno luci che restano chiare quando si spengono le candele in soffitta. Il M° Fabrizio Cassi dirige con proprietà l’Orchestra Filarmonica Terre Verdiane, fuori campo la Banda Città di Fidenza "G. Baroni" diretta da Saverio Settembrino.

Assistente alla regia P. Luigi Cassano, Maestro preparatore Simone Savina.

Organizzato dal Gruppo di Promozione Musicale Tullio Marchetti presieduto da Antonio Delnevo, l’evento si inserisce nelle manifestazioni per il 150° Anniversario del Teatro Magnani e per la mostra al pubblico di queste tele restaurate, ma è anche una lodevole iniziativa per la formazione del pubblico locale.

2011-11-21T00:41:00.000-08:00

Parma

Auditorium del Carmine

Grande Concerto d’Autunno

(sabato 12 novembre 2011 ore 18)

Di Giosetta Guerra

Il suono morbido e scandito del pianoforte precede il canto e diventa più intenso col crescere dell’enfasi vocale, a volte lo strumento tace per lasciare spazio alla voce: è “Una furtiva lagrima” da L’Elisir d’amore di Donizetti, cantata dal tenore georgiano Shalva Mukeria con suoni sostenuti che si dissolvono in filati in tessitura acuta, accompagnato al pianoforte dal maestro Simone Savina.

Il tocco tiene il ritmo danzante del grande valzer di Juliette “Je veux vivre” da Roméo et Juliette di Gounod, che il soprano australiano Jessica Pratt attacca con morbidezza per lanciarsi in pirotecniche scale ascendenti e discendenti, suoni rinforzati con la messa di voce, squilli veementi, sostenuti dal suono coinvolgente del pianoforte.

Con la patetica aria di Nemorino e la scintillante aria di Juliette vengono presentati al folto pubblico gli artisti Jessica Pratt, Shalva Mukeria e Simone Savina, protagonisti del Grande Concerto d’Autunno, organizzato e presentato da Paolo Zoppi, presidente e anima degli Amici della Lirica del Cral CariParma.

E da qui è tutto un susseguirsi di arie e duetti di forte impatto e di grande difficoltà virtuosistica.

Shalva Mukeria, dotato di voce chiara ed estesa che elargisce con generosità e padronanza del registro acuto e sovracuto, alterna vigore e canto sfumato in “Spirto gentil “da La Favorita di Donizetti sopra le note sfiorate dal Savina con la delicatezza che parla al cuore, si lancia nella funambolica aria dei nove do “Ah mes amis” da La figlia del reggimento con suoni tesi e taglienti, accompagnato dallo scintillio vigoroso del pianoforte, affronta con grande potenza vocale e precisa dizione “Lunge da lei” da La Traviata di Verdi e con acuti che bucano le orecchie la famosissima canzone del Duca di Mantova “La donna è mobile” da Rigoletto. Il tenore ha una canna vocale robusta e fluente, notevole estensione e tenuta dei fiati, ma dovrebbe affinare la tecnica del canto sul fiato.

Jessica Pratt è una belcantista eccezionale, una virtuosa con doti vocali straordinarie e una tecnica di canto ineccepibile. Nell’aria di grande difficoltà virtuosistica “Tandis qu’il sommeille” da La Juive di Halevy, grand opéra francese poco rappresentato, l’emissione a fil di voce è accompagnata dal suono morbido del pianoforte, la melodiosità del canto si sposa con la sensibilità del pianista, il virtuosismo vocale che esplode in sovracuti rompicristallo è sostenuto dal brillio del pianoforte.

Voce e strumento sono entrambi protagonisti della leggerezza funambolica di Rossini nell’ aria di Amenaide dal Tancredi ”Come dolce all’alma mia”, la Pratt usa con eccellente tecnica un mezzo vocale agilissimo, estesissimo, acutissimo, dal timbro adamantino, Savina fa uscire dai tasti la rocambolesca scrittura rossiniana.

Nella cadenza di Elvira de I Puritani di Bellini “O rendetemi la speme” il flusso vocale di struggente bellezza, ornato di filati rinforzati con l’uso della messa di voce, si adagia sul tessuto sonoro discreto e penetrante del pianoforte cha ha spazi solistici molto intensi, nella cabaletta che segue “Vien diletto”, un susseguirsi di virtuosismi e sovracuti strabilianti sostenuti dall’aereo funambolismo del maestro Savina, la Pratt è mostruosamente brava.

Poi ci sono i duetti. Il pianista con suono cadenzato interloquisce con l’intensità vocale e le delicatissime mezze voci rinforzate del soprano e con l’attacco in pianissimo del tenore nel seducente duetto d’amore “Verranno a te sull’aure” da Lucia di Lammermoor di Donizetti che chiude la prima parte del programma e introduce con leggerezza di tocco la fluidità d’emissione della Pratt e gli alleggerimenti di Mukeria nel duetto de La Sonnambula di Bellini “Son geloso del zefiro errante”, che chiude la seconda parte.

Ma non finisce qui.

Dopo tutto questo ben di Dio i bis, annunciati ironicamente da Paolo Zoppi come canzonette del floklore delle loro terre e che invece sono brani di grande difficoltà:

l’impervio e trascinante duetto de I Puritani “Vieni tra queste braccia”, cantato con molta foga dal tenore e sostenute progressioni acute, “Pourquoi me reveiller” dal Werther di Massenet col ricamo del pianoforte, “La regina della notte” da Il Flauto magico di Mozart, con la quale il soprano ha scatenato il delirio del pubblico.

Un ringraziamento caloroso quindi a Jessica Pratt, Shalva Mukeria, Simone Savina e ovviamente a Paolo Zoppi che a titolo gratuito hanno messo in piedi una serata di altissimo livello per il piacere di un pubblico osannante ma soprattutto a favore dei bambini con gravi problemi di salute.

L’incasso di 4500 euro, infatti, è stato consegnato in palcoscenico al prof. Izzi, che dirige il Reparto di oncoematologia pediatrica dell’Opedale di Parma.
Dopo il concerto cena alla Corale Verdi con artisti (non tutti purtroppo), organizzatori, giornalisti e simpatizzanti.

2011-11-21T00:19:00.001-08:00

Fano

Teatro della Fortuna

Sogno di una notte d’estate

di Carlo Cecchi

(13 Novembre 2011)

Servizio di Giosetta Guerra

Allestimento minimalista e ridotto per lo spettacolo di Carlo Cecchi Sogno di una notte d’estate, tratto da Sogno di una notte di mezza estate di William Shakespeare (A Midsummer Night's Dream del 1595), spettacolo che riesce a snocciolare a chiare linee l’intricata trama della pièce shakespeariana e a mettere in luce la versatilità di giovanissimi attori, capitanati e diretti dal grande artista.

Nato come saggio di diploma degli allievi di Carlo Cecchi all’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica nel giugno 2009, lo spettacolo conserva tale caratteristica e, se non può essere considerato una delle sette meraviglie del teatro come fu l’allestimento di Tato Russo, è una lezione di interpretazione dinamica e di recitazione rispettosa del linguaggio shakespeariano.

In Shakespeare, infatti, è la parola che va ascoltata, nulla si può perdere degli incastri del dialogo, della tornitura della frase e della ridondanza baroccheggiante della descrizione di un’immagine. L’ascolto non può essere superficiale perché l’uso della parola è estremamente sottile e poetico. Il congegno teatrale col fuoco d'artificio di equivoci, incanti, litigi e riconciliazioni di innamorati è stato rispettato, la padronanza scenica, la versatilità gestuale, la chiarezza della dizione, la fluidità della recitazione degli attori, che all’occorrenza diventano anche strumentisti o cantanti, la presenza in palcoscenico di Carlo Cecchi nel ruolo di Egeo padre di Ermia e come capocomico nel gruppo degli operai attori hanno contribuito alla gradevolezza dello spettacolo.

Certo, la caratterizzazione dei tre mondi descritti da Shakespeare qui non era completa, c’erano gli umani, tre fatine, la coppia reale e le altre tre coppie di innamorati, ma mancavano gli elfi esseri mitologici, l’atmosfera magica, la visione onirica e il mistero del bosco in una notte incantata, gli ambienti sontuosi e lo scintillio degli ori della reggia di Teseo, l’adeguamento delle luci alle diverse situazioni (troppo alte per la notte d’inchiostro con nebbia, ad esempio), tuttavia lo spettacolo ha avuto ritmo, stringatezza, ironia, concretezza.

In scena con Cecchi, Federico Brugnone, Valentina Ruggeri, Gabriele Portoghese, Davide Giordano, Sofia Pulvirenti, Barbara Ronchi, Cecilia Zingaro, Giorgio Musumeci, Silvia D’Amico, Vincenzo Ferrera, Dario Iubatti, Alessandro Marmorini, Fabrizio Falco, Valentina Rosati, Luca Marinelli.

Lo spettacolo è prodotto dal Teatro Stabile delle Marche con il patrocinio dell’Accademia Nazionale d’Arte Drammatica “Silvio D’Amico”. La traduzione è della poetessa Patrizia Cavalli, i costumi di Sandra Cardini che usa anche la plastica e la consulenza musicale di Nicola Piovani.

2011-10-25T14:23:00.000-07:00

Fano Teatro della Fortuna

Stagione di prosa 2011-12

Il piacere dell'onestà

Un elegante spettacolo di qualità

(commedia in tre atti di Luigi Pirandello, composta nel 1917 e rappresentata la prima volta nello stesso anno al Teatro Carignano di Torino con protagonisti Ruggero Ruggeri e Vera Vergani)

Servizio di Giosetta Guerra

L’intelligenza e la poliedricità artistica di Leo Gullotta, allievo a suo tempo di Turi Ferro e Salvo Randone, permettono all’attore

di spaziare nei generi più svariati di spettacolo sia di stampo comico che di stampo serio, dal cinema alla televisione al teatro al varietà, come i grandi attori di un tempo.

Ne Il piacere dell'onestà lo vediamo cimentarsi in un ruolo emblematico che interroga lo spettatore sul valore dell’onestà. Baldovino, uomo fallito e di dubbia moralità, diventa il simbolo dell’onestà stessa accettando di sposare per denaro una ragazza madre, Angela, amante del marchese Colli, uomo sposato. La rispettabilità della famiglia dabbene è così salvata, ma Baldovino intende rispettare fino in fondo il compito di uomo onesto che gli altri pensavano di affibbiargli solo in apparenza. “Per finta sposo una donna, per davvero sposo l'onestà”, afferma Baldovino. Così, indossando la maschera di uomo onesto, finisce per smascherare la disonestà di chi lo circonda, rendendo difficile la vita dei suoi “datori di lavoro” e interrompendo quella spirale di ipocrisie che li aveva imbrigliati.

Questa critica alla borghesia benpensante, ancora di grande attualità, è una denuncia di quello stile di vita per il quale l’apparire conta più dell’essere. E il regista Fabio Grossi, mettendo in palcoscenico una casetta di vetro, linda e

trasparente, girevole e quindi visibile da tutte le angolazioni, in mezzo alla natura incontaminata, con pochi arredi ma in stile, potrebbe voler significare due cose: 1) le persone che vi abitano vogliono mostrare agli altri un’esistenza patinata e artificiale, 2) l’onestà rende trasparente l’animo degli uomini.

Io opto per la seconda.

La regia sottolinea i caratteri: agitata, ipercinetica e logorroica la marchesa coi capelli bianchi, in preda al nervosismo il marchese, piagnucolosa e matteggiante Agata coi capelli rossi,

certe immobilità dei personaggi aumentano la tensione dell’attesa, equilibrato ed irremovibile Baldovino, che si lancia in un’elaborata disquisizione sul valore della purezza e dell’onestà, è un filosofeggiare che disorienta il marchese che non ci capisce niente.

A completare il clima di sospensione e d’inquietudine una musica straniante scelta da Germano Mazzocchetti e luci di forte impatto, ora dall’alto ora dall’interno di Valerio Tiberi; c’è anche un coro di bambini.

Le scene sono impreziosite da una fantasiosa danza delle stelle per raffigurare la notte e da una calda pioggia di foglie rosso mattone sul prato per figurar l’autunno.

I bravi attori Cloris Brosca, Martino Duane, Paolo Lorimer, Mirella Mazzeranghi, Antonio Fermi, Federico Mancini, Vincenzo Versari e il protagonista stesso vestono abiti di foggia classica rigorosamente in nero e bianco o in marrone. Scene e costumi di Luigi Perego.

La bravura di Leo Gullotta, che recita con dizione chiarissima, accento eloquente, a volte in modo compassato, a volte in modo sommesso e con le dovute pause, con un linguaggio talora asfissiante quando parla di un’onestà fittizia, con un ritmo concitato fino alle lacrime quando il personaggio filosofeggiante diviene personaggio drammatico, capta l’attenzione del pubblico che applaude calorosamente sulla musica di un carillon che in un’atmosfera tragica chiude lo spettacolo.

2011-10-24T15:25:00.000-07:00

44^ Stagione Lirica di Tradizione del Teatro Pergolesi di Jesi

Uno sfizioso Frate 'Nnamorato
di Giovan Battista Pergolesi

Servizio di Giosetta Guerra

JESI (An) - Teatro Pergolesi di Jesi, domenica 2 ottobre 2011. Questa commedia in
musica “in lingua napoletana” è un leggiadro affresco della società partenopea del XVIII
secolo e ruota attorno ad una serie di matrimoni, combinati da Carlo ricco borghese
romano e da Marcaniello attempato popolano napoletano, senza consultare le donne
coinvolte. Il regista scenografo argentino Willy Landin, Director del Centro de
Experimentación del Teatro Colón di Buenos Aires e dal 1995 collaboratore di Hugo de
Ana, con questo nuovo allestimento trasporta la vicenda agli anni quaranta del secolo
scorso, di cui riporta con didascalica minuziosità lo stile sia nell’arredamento delle
stanze che si vedono dalle finestre/balcone del palazzo (il paralume della cucina e la
carta da parati che si intravedono quando negli ambienti interni si accendono le luci, i
vasi di fiori e le gabbiette degli uccelli sui terrazzini a sbalzo con le ringhiere di ferro, le lenzuola stese), sia nell’abbigliamento creato da Elena Cicorella (il vestito a giacca degli uomini - azzurro per Pietro, marrone per Carlo, nero per Marcaniello, beige per Ascanio -, e per le donne vestagliette da casa e parananza, sandali con la zeppa di sughero, borsetta sotto braccio, gonna svasata con camicetta e giacchettina avvitata, bigodini e acconciature coi capelli arrotolati in un lungo boccolo ai contorni del viso (anche mia madre in gioventù si pettinava come Nina e Nena) e poi la mitica vespa brevettata nel 1946, un bar col bancone tipico arredato con tavoli tondi dalla piana di marmo e sedie in ferro battuto e camerieri con lunghi grembiuli bianchi).

La regia è sfiziosa ed originale, la gestualità, che in alcune occasioni diventa gesticolazione, rispecchia l’estrazione sociale dei personaggi, così Don Carlo ha modi spropositatamente cerimoniosi e Marcaniello una componente mimica molto accentuata, Ascanio è l’amoroso indeciso che sospira, tra le donne le due servette Vannella e Cardella sono le più scatenate,
Luggrezia è la più malinconica, le due sorelle Nina e Nena le più determinate. I giovani artisti del cast jesino, guidati dal bravo regista argentino, hanno avuto la capacità di dare brio e scorrevolezza ad una commedia che ha una trama leggera, una progressione narrativa lenta, una
lingua pressoché incomprensibile (benvenuti i sopratitoli per il dialetto napoletano antico). Tuttavia è la musica l’elemento dinamico di base che segna scansioni e ritmi. E, per realizzare la flessibilità dell’articolazione musicale e la mutevolezza del divenire degli eventi, senza calcare la mano sugli elementi di stampo comico o popolaresco, l’ensemble Europa Galante, che suona su strumenti d’epoca, si è avvalso della collaudata esperienza del maestro Fabio Biondi, direttore, violino e viola d’amore. Bravi, da premiare.
Sul piano vocale, pur non essendoci il cast stellare de Lo frate al Teatro alla Scala nel dicembre del 1989 con la direzione di Riccardo Muti, giovani bravi cantanti-attori, alcuni dei quali con già alle spalle una carriera internazionale di grande prestigio, hanno realizzato uno spettacolo gradevolissimo e di qualità, in linea con l’operato del Teatro Pergolesi di Jesi. Spicca, naturalmente, l’imponenza scenica e vocale del baritono Nicola Alaimo, premio Tiberini d’oro 2011, nel ruolo del vecchio Marcaniello, che sulla carta è segnato come basso, ma, a parte che i registri vocali di oggi si discostano da quelli d’un tempo per via del cambiamento della frequenza del diapason (così mi spiegavano a teatro), Alaimo ha le qualità per interpretare egregiamente
anche i ruoli di basso buffo. Dotato di una cassa armonica poderosa, esibisce già dalla prima aria mossa in orchestra “Veda ossorìa” una vocalità di grande pregio per spessore, ampiezza, estensione paurosa, generosità del suono, forse sprecata per questo ruolo versato alla comicità, che ad Alaimo comunque non manca e che lui, fortemente caratterizzato (una deambulazione precaria, difficoltà a rialzarsi), accentua con arguzia. Anche Don Pietro è segnato come basso virtuoso con estensione acuta, ma Filippo Morace ha voce baritonale piuttosto chiara e con carenza di gravi, ma è bravissimo in scena nel delineare un personaggio sbruffone e donnaiolo. E così Ascanio, Nina e Luggrezia, scritti per contralto, hanno qui la voce di due soprani Elena Belfiore e Jurgita Adamonyte e di un mezzosoprano Barbara Di Castri. Elena Belfiore, che entra
mirabilmente nei panni maschili, è un soprano ben timbrato dalla voce calda ed armoniosa, che si piega alle modulazioni del canto patetico e si lancia in acuti dolcissimi. Jurgita Adamonyte si muove bene vocalmente in tutta la gamma, è duttile nel canto sbalzato, ha luminosità in zona acuta e consistenza nei suoni medi e gravi. Barbara Di Castri ha voce di bel colore ma inficiata da un certo vibrato, si piega con destrezza alla leggerezza della zona acuta, alla rotondità dei suoni medi e alla densità dei suoni gravi. Il soprano Patrizia Biccirè (Nena) sa cantare ed ha facilità di espandersi in zona acuta, a lei è affidata una grande aria di bravura con flauto obbligato nel 3° atto, che esegue con voce melodiosa; il soprano Laura Cherici (Vannella) ha poca voce e con vibrato, ma è brava nel canto veloce e d’agilità, inoltre ha temperamento e vivacità. Cardella, segnata come soprano, è invece qui il mezzosoprano Rosa Bove che ha suoni intubati e voce di poco spessore che non passa l’orchestra, ma vivacità interpretativa; David Alegret (Carlo) è un tenore di voce chiara ed estesa un po’ monocorde. Lo spettacolo ha ricevuto il gradimento del pubblico.

2011-10-24T15:22:00.000-07:00

L'Olimpiade di Metastasio musicata da Pergolesi nel teatro Moriconi di Jesi
Bella prova di belcanto di tutti gli artisti

Servizio di Giosetta Guerra

JESI (An) – Nella ex-chiesa di San Floriano a Jesi, ribattezzata Teatro V. Moriconi, viene allestita, nella revisione critica di Francesco Degrada e Claudio Toscani, L’Olimpiade, melodramma in tre atti di Pietro Metastasio, musicato da Giovanni Battista Pergolesi nel 1735. Sorprende come gli organizzatori del Festival Pergolesi Spontini di Jesi riescano a trovare voci specialistiche per il canto barocco tra giovani per lo più stranieri che in Italia non hanno ancora rinomanza. Nel cast de L’Olimpiade infatti c’era solo un artista noto, il tenore Raul Gimenez, che mantiene autorevolezza vocale e scenica e buone sonorità anche nei recitativi, pur non risultando il migliore della serata; nel ruolo di Clistene, re di Sicione e padre di Aristea, il cantante argentino esibisce una voce robusta e timbrata con note piuttosto baritonali (“Non so donde viene”) e con estensione e agilità diminuite rispetto a un tempo, comunque mi ha fatto molto piacere ritrovarlo, dopo gli allori dei primi anni del Rossini Opera Festival. Conoscevo anche Antonio Lozano, che, nel ruolo di Aminta aio di Licida, ho trovato migliorato rispetto alla produzione jesina de Il prigionier superbo di tre anni fa: bella figura di giovane aristocratico, il tenore ha un bel modo di porgere (“Io nel tuo caso”), tiene agilità larghe su musica a tempo di danza nell’aria “Siam navi all’onda algenti”, la voce di bel timbro e dal suono robusto è usata in modo differenziato. Bello e bravo.

Straordinarie le due donne en travesti. Il soprano di coloratura Sofia Soloviy (Megacle amante di Aristea e amico di Licida) ha voce poderosa con belle incursioni nel registro mezzosopranile, impostazione perfetta e splendido modo di porgere con rotondità del suono, ricchezza di armonici, affondi naturali, l’interpretazione si fa struggente nell’aria di addio all’amata (“Se cerca, se dice”), mezze voci sonore e delicate nelle modulazioni patetiche, voce estesissima, scintillante e duttile nelle arie di sbalzo, come nella virtuosistica aria di tempesta “Torbido in volto e nero”, fitta di vocalizzi, salti di ottave, picchiettati e ribattuti, con la sezione violini dislocata in alto su un terrazzino; il grintoso mezzosoprano di coloratura Jennifer Rivera (principe Licida, innamorato di Aristea, creduto figlio del re di Creta e riconosciuto alla fine gemello di Aristea e quindi figlio di Clistene), dotato di voce dal bel colore bruno, potente, estesa, agile e timbrata, produce gravi naturali e acuti scintillanti nel pezzo di bravura “Quel destrier che all’albergo è vicino”, si muove con destrezza nell’aria “Gemo in un punto, e fremo”, molto bassa, costellata di fitti virtuosismi ed incursioni in zona acuta, accompagnata dal tutto orchestrale col brillio della tromba, pregevoli sono le mezze voci e i suoni a bocca chiusa. Il mezzosoprano emerge per destrezza della condotta vocale.

Brave anche le due donne nei ruoli femminili. Il soprano cubano Yetzabel Arias Fernandez (Argene, dama cretese amante di Licida che si presenta sotto le mentite spoglie di una pastorella) esibisce un bel mezzo vocale, ben proiettato e bene impostato con belle note contraltili (“O care selve o cara”), bravissima nel modulare una voce importante, presenta suoni rotondi e incisività d’accento. L’altro soprano russo Lyubov Petrova (Aristea figlia di Clistene e amante di Megacle), ha voce luminosa e pulita, canta bene e fa uso di messa di voce e filati per le arie patetiche, nell’aria di furore “Tu me da me dividi” molto agitata in orchestra con arcate dense dei violoncelli e dei contrabbassi la voce è estesa, ampia, con modulazioni dal dolce al furente. Nel duetto Aristea-Megacle “Nei giorni tuoi felici” le due cantanti conoscono l’arte di modulare la voce ai fini esecutivi ed espressivi. Il mezzosoprano abruzzese Milena Storti, in abiti femminili pur nel ruolo maschile di Alcandro confidente di Clistene, esibisce voce scura di bel colore, con suoni chiusi nei gravi (“Apportator son io”) ed energia nel salire all’acuto (“L’infelice in questo stato”).
Originale per chi non l’aveva ancora vista, ma comunque azzeccata per l’ambiente e molto raffinata, l’ambientazione ideata dallo scenografo Luigi Scoglio: una passerella a forma di croce divide la chiesa in quattro settori occupati dal pubblico, l’orchestra è posizionata sull’altare e giganteschi palloni bianchi luminescenti di diverse dimensioni occupano la cupola. Sulla passerella e sui balconcini del piano superiore della ex chiesa si svolge l’azione, che il regista Italo Nunziata sviluppa non in modo realistico, ma simbolico e stilizzato, contribuendo a restituire un’atmosfera di aerea eleganza; le luci viola psichedeliche di Patrik Latronica avvolgono l’ambiente in un clima di mistero creando una certa suggestione. Di vaga reminiscenza settecentesca gli eleganti atemporali costumi (rossi come i capelli per i due amanti contendenti, viola per il padre, cangianti con strascico per le donne che sono tutte bionde e grandi mantelli per gli uomini), disegnati da Ruggero Vitrani, che, per acuire il mistero, introduce i personaggi col volto nascosto dietro maschere bianche, maschere che i protagonisti rimuovono in scena e che i figuranti, vestiti di bianco e con gestualità lenta e misurata, impegnati anche in suggestivi tableaux vivants e in movenze di danza, mantengono fino alla fine; il taglio dei capelli è moderno, corto e sparato, con extensions per le donne.
L’Accademia Montis Regalis, formata da 26 elementi, con strumenti originali, tra cui due clavicembali, due tiorbe e un’arpa antica, diretta dallo specialista di musica barocca Alessandro De Marchi, anche maestro al cembalo, entra con grande competenza nella spumeggiante tempesta degli affetti e nella raffinata, virtuosistica e vertiginosa scrittura della partitura pergolesiana. Il godimento sarebbe stato assoluto se non ci fosse stato quel caldo soffocante, che mi faceva provar pena per gli artisti, soprattutto per quelli totalmente coperti da abiti maschili, mantello compreso.

2011-10-21T14:03:00.000-07:00

Parma - Festival Verdi 2011

di Giosetta Guerra

10 ottobre: Buon Compleanno Peppino!

Il 10 ottobre 1813 nasceva Giuseppe Verdi e anche quest’anno la mattina del 10 ottobre 2011 alle ore 11.00 è stata celebrata una cerimonia per il 198°anniversario della sua nascita davanti al monumento del compositore situato a Parma in Piazza della Pace vicino al Piazzale della Pilotta.

Per il tradizionale omaggio la città di Parma e il Gruppo appassionati verdiani “Club dei 27” hanno deposto fiori in omaggio al Maestro di Busseto. I rappresentanti delle istituzioni cittadine e dell’Amministrazione Comunale, il sovrintendente del Teatro Regio di Parma Mauro Meli, Andrea Rinaldi della Corale Verdi, i rappresentanti delle associazioni musicali cittadine, l’Istituto nazionale di studi verdiani, l’Istituzione Casa della Musica, il Conservatorio di Musica “Arrigo Boito” di Parma hanno espresso il loro omaggio a parole, il Coro del Teatro Regio di Parma e la Corale Giuseppe Verdi guidati da Martino Faggiani hanno chiuso la celebrazione con un omaggio musicale. Presenti esponenti di associazioni verdiane straniere e melomani frequentatori del Festival verdiano.

La sera tutti al Teatro Farnese, situato nell’area della Pilotta, per assistere a un grande Falstaff.

Un Falstaff coi colori caldi

del legno

Commedia lirica in tre atti di Arrigo Boito, dalla commedia shakespeariana

The merry Wives of Windsor. Musica di Giuseppe Verdi

(10 ottobre 2011 – p rima)

Di Giosetta Guerra

“Tutti gabbati”!

Suona sempre un po’ luciferino lo sfogo finale di Falstaff, quasi un ghigno consolatore intriso di sadismo e di rassegnazione in un mondo dove tutto è burla. Almeno una volta tanto siamo tutti uguali, anche se, si sa, “ride ben chi ride la risata final”. Ma noi non siamo stati gabbati la sera del 10 ottobre 2011 al Teatro Farnese di Parma, almeno dalla produzione di Falstaff.

Sul palcoscenico del seicentesco teatro ligneo non c’è l’osteria della Giarrettiera, ma…: un grande letto in legno naturale che va e viene, bauli di legno in qua e in là, festoni bianchi con disegni neri per raffigurare sia i panni stesi sia l’acqua del Tamigi dalla quale sbucano le braccia gesticolanti di Falstaff, uccellacci neri agitati da figuranti nascosti (solo una volta visibili), una casa di legno con balconcino, dalla cui finestra viene realmente gettato Falstaff per farlo cadere nel fiume (simulato da donne che tirano l’acqua con i secchi), una tinozza lignea con dentro Falstaff nudo ripescato dalle acque, un albero nero spinto a mano e

poi la selva di macbethiana memoria (donne che avanzano con rami frondosi in mano). Niente tecnologia, ma tutto artigianale e in linea con i colori e il calore del teatro. Il fondale è un telo bianco con un paesaggio disegnato in nero e poi i colori si scambiano come nel negativo diuna fotografia nel terzo atto. Allestimento scenico di Jamie Vartan, che cura anche i costumi in stile sobrio e monacale per le donne, estroso, sbuffante, quasi giullaresco per i ruoli buffi maschili. Luci calde di Simon Corder. Il regista Stephen Medcalf caratterizza in modo garbato e mai ridondante i personaggi con l’aiuto degli stessi artisti che sono anche bravi attori.

Nel title rôle Ambrogio Maestri, vestito, a dispetto della sua notevole stazza, con un pagliaccetto bianco e scarpe, berretto, mantello rosso (pagliacciotto –forse meglio coniare un nuovo vocabolo-che poi è rosso e in seguito marrone con corna di cervo), entra sdraiato su un letto spinto a mano e fa subito sfoggio della sua poderosa voce di baritono, enorme, ampia, timbrata, ma capace di alleggerirsi fino ad un comico falsetto (“Io son di Ford”). La sua imponenza vocale e scenica troneggia per tutta l’opera insieme ad una verve tragi-comica che lo rende insuperabile interprete di questo ruolo.

Al suo fianco un silenzioso servitore in armatura da guerriero e i suoi servi Bardolfo e Pistola, che a volte lo beffeggiano e lo ingannano, interpretati sagacemente da Patrizio Saudelli (tenore, un collaudato caratterista) e Mattia Denti (basso), una coppia, tipo “il gatto e la volpe”, delineata con precisione attoriale e vocale dai due bravi artisti.

Uno straordinario Luca Salsi veste i panni di Ford, il baritono gestisce un mezzo vocale ampio e di bel colore con ottimo sostegno del fiato e fraseggio accurato (due titani nel dialogo Ford - Falstaff del secondo atto per la conquista di Alice), grande in “È sogno o realtà” con tormento in orchestra e la voce pacata dei corni.

La voce chiara del tenore Antonio Gandia (Fenton) sale bene e si espande con vigore, Luca Casalin come “tenore di carattere” interpreta Dott. Cajus.

Il canto d’insieme delle comari, rigorosamente in nero e bianco, dà origine ad un ordito intessuto con cura e con gusto, lo scherzo beffardo nei confronti del vecchio è condotto con leggerezza teatrale, ma anche vocale: Svetla Vassileva nei panni di Alice sa far uso della messa di voce, ma il suono è piccolo e a mala pena si sente, Romina Tomasoni come Quickly canta bene ma, non avendo una voce molto timbrata, ha più colori nella tessitura acuta, Daniela Pini è una corretta Meg, la più armoniosa è Barbara Bargnesi nel ruolo di Nannetta, il soprano ha voce estesa, canta sul fiato con voce melodiosa e tenuta del suono, producendo bei filati anche rinforzati (“Sul fil d’un soffio etesio”).

Il mitico Coro del Regio, preparato da Martino Faggiani, fa emergere le sue ottime qualità vocali ed interpretative.

L’Orchestra del Teatro Regio di Parma, diretta dal giovanissimo Andrea Battistoni, tiene sonorità ora concitate, ora delicate, a mo’ di ricamo, per unirsi al suono intrecciato delle voci in un piacevole e coinvolgente gioco delle parti, cura i ricchi dettagli e i colori della scrittura musicale e dà rilievo alle voci degli strumenti.

Lo spettacolo ha ottenuto il gradimento del pubblico. Noi che conosciamo un po’ la macchina teatrale dobbiamo ritenerci soddisfatti anche del lavoro fatto dietro le quinte dal direttore musicale di palcoscenico Fabrizio Cassi, dal maestro di sala e preparatore musicale Simone Savina, dal maestro di sala e alle luci Claudio Cirelli, dal maestro di palcoscenico Matteo Rubiconi, dal direttore di scena Paola Lazzari, da operatori e tecnici, e dobbiamo ringraziare tutti coloro che hanno dedicano un tempo infinito alla preparazione di un festival di questa portata.

Foto Roberto Ricci Teatro Regio di Parma

2011-10-19T02:02:00.000-07:00

Festival Verdi 2011

Parma - Teatro Farnese

MESSA DA REQUIEM capolavoro di musica sacra di Giuseppe Verdi

8 ottobre 2011

Di Giosetta Guerra

La recita dei premiati

Francesco Meli salva la replica

Il Coro e l’Orchestra del Teatro Regio di Parma, diretti rispettivamente dal M° Martino Faggiani e dal M° Yuri Temirkanov, e quattro solisti del calibro di Francesco Meli, Dimitra Theodossiou, Sonia Ganassi, Riccardo Zanellato hanno eseguito la Messa da Requiem (meglio dire Messa di Requiem) di Verdi in un teatro splendido di Parma solitamente riservato alle visite turistiche per la sua particolarità, il Teatro Farnese.
Situato al primo piano del Palazzo della Pilotta, il Teatro Farnese nacque nel 1619 per volontà di Ranuccio I, duca di Parma e Piacenza e fu inaugurato nel 1628, in occasione delle nozze tra Margherita de' Medici e il duca Odoardo, con lo spettacolo allegorico-mitologico "Mercurio e Marte" (musiche di Claudio Monteverdi su testo di Claudio Achillini). Progettato dall'architetto ferrarese Giovan Battista Aleotti detto l'Argenta, il teatro fu costruito con materiali leggeri come il legno e lo stucco, che furono poi dipinti, nella vecchia "Sala d'arme", un grande "salone" con pianta ad U, circondata da quattordici gradoni che potevano ospitare oltre tremila spettatori. Dati i costi e la complessità degli allestimenti scenici, il teatro fu utilizzato solo nove volte, l’ultima nel 1732, poi il degrado e l’oblio fino alla semi distruzione delle parti lignee e di gran parte delle statue in stucco a causa dei bombardamenti del 1944. Fu ricostruito nel 1956 secondo il disegno originario, ma le parti lignee, in origine completamente decorate, furono lasciate grezze.

Ma torniamo alla serata.

L’ambiente è molto suggestivo, il colore e il calore della struttura lignea, accarezzati dal dialogo iniziale in pianissimo delle due sezioni del coro (maschile e femminile) sottolineato dalla delicatezza degli archi e di un violoncello in sordina e l’alternarsi delle voci soliste nel Kirie creano un coinvolgimento viscerale che durerà fino alla fine. Poi la polverizzazione del silenzio con l’esplosione del Dier irae, straordinaria e desolante rappresentazione della vita offesa, con un vigore quasi violento martellato dalle percussioni, seguito da un rallentando fino al pianissimo, esplosione che si ripete nel Sanctus e si ritrae nel suono sommesso dell’orchestra e del canto a mezza voce di coro e solisti nell’invocazione dell’Agnus Dei, per approdare nella vetta della grande pagina del Libera me Domine (che Verdi aveva già composto per il finale di quella Messa di Requiem collettiva per la morte di Rossini mai presentata al pubblico), perorazione cantata da un soprano ispirato e sussurrata dal coro sopra un suono orchestrale coinvolgente.

La lettura di Yuri Temirkanov, il maestro di San Pietroburgo, rientra nel calore e nelle linee smussate del teatro con tempi musicali distesi e rigorosi; l’Orchestra di cinquanta elementi e il Coro (37 maschi e 30 femmine preparati da Martino Faggiani, impressionante il suono denso, pieno, cupo dei bassi) del Teatro Regio di Parma rispondono con la nota professionalità.

Per la parte vocale un vivo ringraziamento va rivolto al tenore Francesco Meli che tra due recite di Un ballo in maschera ha sostituito Roberto Aronica indisposto. Ed ha trionfato anche qui. La sua voce si espande con pulizia e lucentezza e le sue soavissime mezze voci sono sonore anche in un teatro che non ha un’acustica ideale, l’accurato modo di porgere ed ovviamente la qualità del mezzo vocale gli danno sicurezza sia nella melodiosità del canto sfumato sia nell’esuberanza del canto a piena voce.

La voce del basso Riccardo Zanellato (che ha ritrovato una forma fisica splendida) è talmente bella che ne vorresti sentire di più: calda, rotonda, ampia, ferma nella tenuta del suono, morbida nell’emissione, note gravi di grande rilievo, ottima la tecnica di canto, ma un pizzico di volume in più non avrebbe guastato.

Sonia Ganassi è musicista raffinata e brava fraseggiatrice, l’eccellente tecnica di canto le consente di gestire bene una vocalità luminosa nei suoni acuti e negli slanci, sensibile nei pianissimi e nelle ottime modulazioni, un po’ cupa nella zona media, ma sicura nei gravi.

Dimitra Theodossiou, eletta quest’anno Regina del Melodramma, si è distinta per la melodiosità del suono, lunghissimi fiati, filati celestiali, delicati pianissimi e possenti acuti a voce piena. A lei il compito di chiudere col “Libera me domine”, tra le ovazioni del pubblico per tutti gli artisti.

Incredibile ma vero: Theodossiou, Ganassi, Meli, Zanellato, Faggiani, Coro hanno avuto il Premio Tiberini.

Foto Studio Vigo

2011-10-18T05:11:00.000-07:00

Parma - Festival Verdi 2011

Un mese di opere, mostre, concerti.

Teatro Regio “Un ballo in maschera”

Melodramma in tre atti su libretto di Antonio Somma, tratto da Gustave III ou le bal masqué di Eugène Scribe, musica di Giuseppe Verdi

9 ottobre 2011

di Giosetta Guerra

Entusiasmo per la

coppia Francesco Meli-Serena Gamberoni

Massimo Gasparon ha ripescato l’allestimento tradizionale di Pierluigi Samaritani del Teatro Regio di Parma rifacendo le parti e i costumi rovinati dal tempo.

Ecco la scenografia: grande scalinata che giunge a una vetrage, con bandiere inglesi e cortigiani distribuiti con cura sì da creare un grande quadro d’epoca per il palazzo del governatore; un loco semioscuro tra le rocce, da cui si affacciano giovani a dorso nudo e donne velate, tagliato da uno sprazzo di luce filtrante da un grosso pertugio, donzelle discinte gesticolanti a terra sopra una stella a sei punte, per l’antro di Ulrica; nebbia, lapidi, croci bianche, alberi neri per il campo solitario; grande tavolo con tappeto rosso, strumenti musicali antichi e libri per l’appartamento di Renato; festosa sala da ballo con coppie imparruccate tutt’intorno ed al centro inquietanti danzatori bianchi con doppia maschera bifronte e seni sulla schiena per gli uomini, sì che bisognava guardare i piedi per capire dove ognuno era rivolto, tra loro anche una violinista e in fondo violini e violoncelli.

Il regista ha optato spesso per una posizione concertistica dei cantanti per dar risalto ai personaggi e io che ero in un palco di proscenio ho scrutato ogni espressione, ogni respiro, ogni sguardo dei cantanti, come ho colto la profonda immedesimazione del M° Gianluigi Gelmetti, che nel rispetto della funzione drammatica della musica ha diretto con tempi serrati e coinvolgenti una splendida Orchestra e il magnifico coro del Teatro Regio, icona del melodramma italiano, pieno e trascinante nel vigore cadenzato della musica, morbido nel cesello dei lunghi filati e delle suggestive pennellate vocali a mezza voce, attentamente preparato dal genio di Martino Faggiani. Nella scena finale della morte di Riccardo il palcoscenico si è popolato e l’orchestra è esplosa. Un inno a Giuseppe Verdi. Favolosi.

Belli i costumi dai colori sparati, di foggia antica, presenti bambini vestiti da paggetti.

Sul versante vocale la coppia Francesco Meli-Serena Gamberoni ha riportato lo strepitoso successo ottenuto nello stesso teatro centocinquanta anni fa dalla coppia Mario Tiberini-Angiolina Ortolani.

Primeggia fra tutti Francesco Meli, un Riccardo ispirato fin dalla prima aria “La rivedrà nell’estasi” che ha affrontato con enfasi e piglio eroico, con generosità e tenuta del suono, gestito con la saggezza di cantare sul fiato e quindi piegandolo alla soavità del cantar a fior di labbra e alla veemenza dello squillo pieno senza forzature. Sicuro negli affondi (“Dì, tu sei fedele”), bravissimo nel canto a mezza voce e negli sbalzi (“Sull’agil prova”) e nella sillabazione di “È scherzo o è follia”, quasi una ballata, ha modulato la voce sui palpiti del cuore (“Ma se m’è forza perderti”) con colore bellissimo, fiati lunghissimi, espansioni acute larghe e lucenti, mezze voci struggenti (“Forse la soglia attinse”). Meli, erede dei grandi tenori del passato, è interprete eccelso e realizza appieno la parola scenica con dizione chiara, padronanza dell’arte del canto e slancio eroico (“Sì, rivederti, Amelia”). Grandissimo nella scena della morte, pugnalato alle spalle.

Serena Gamberoni con voce fresca, pulitissima, scintillante, sicura, estesa, luminosissima in tessitura acuta, ha delineato un Oscar malizioso e mobilissimo, la sua voce svettante ha superato tutti in “Di che fulgor”, è stata deliziosa, brillantissima e agilissima nella famosa aria “Saper vorreste”. Il soprano conosce l’arte del canto e ce ne ha dato una dimostrazione tangibile, delineando un Oscar da manuale.

Ci sarebbe voluta un’Amelia alla stessa altezza di questa magnifica coppia; il soprano statunitense Kristin Lewis (Amelia con abiti splendidi), pur avendo tanta voce e di bel timbro, ha cantato tutto sul forte e con dizione incomprensibile, l’acuto era grido, tuttavia in corso d’opera l’emissione si è affinata, il soprano ha prodotto belle vibrazioni e bei colori in zona medio grave, buoni assottigliamenti e gravi quasi mezzosopranili, fino a cantare splendidamente con le dovute modulazioni “Morrò ma prima in grazia”.

Nobile nel porgere, con accento intenso e scandito e padronanza del canto sfumato e della parola scenica, il bulgaro Vladimir Stoyanov (Renato) ha evidenziato un bel timbro baritonale rotondo ed esteso e linea di canto morbida.

Con forza scenica e maestria interpretativa il mezzosoprano drammatico Elisabetta Fiorillo (una Ulrica dai capelli grigi arruffati e un lungo abito in velluto colorato) ha scolpito un personaggio storico con voce screziata, tagliente, un po’ oscillante, un registro grave poderoso, un declamato imponente, una tecnica di canto solida.

Buone le voci di Filippo Polinelli (Silvano) un baritono ben timbrato, di Antonio Barbagallo (Samuel) e di Enrico Rinaldo (Tom), un po’ meno gradevole quella del tenore Cosimo Vassallo (giudice).

Grande successo.

Presenti in questa produzione alcuni premiati col Tiberini d’oro: Martino Faggiani e Coro Teatro Regio di Parma Premio Tiberini d’oro 2011, Francesco Meli e Serena Gamberoni Premio d’oro Tiberini/Ortolani come coppia dell’anno 2009.

Storia e curiosità

La prima di Un Ballo in Maschera ebbe luogo il 17 febbraio 1859 al Teatro Apollo di Roma, teatro costruito nel 1795 sulla Torre di Nona, antica prigione, distrutto nel 1925 in seguito alla costruzione dei muraglioni del Tevere e rimpiazzato con una fontana a ricordo del teatro.
Il tenore Mario Tiberini interpretò il ruolo di Riccardo dal 1862 l 1871 a Napoli, Roma, Firenze, Milano, Madrid.
Il 4 gennaio 1864 i coniugi Tiberini furono protagonisti di Un Ballo in Maschera al Teatro Apollo di Roma. Ecco cose scrive Il Pirata due giorni dopo:
“I conjugi Tiberini eseguirono le parti a loro affidate da provetti artisti, che nulla lasciano a desiderare sia dal lato musicale sia da quello drammatico. Mario Tiberini si mostrò un Riccardo giustamente applaudito alla sua Cavatina, alla Barcarola, al Duetto dell’atto II, specialmente ebbe applausi per la Romanza del III, per la toccante dolcezza con cui eseguì il Largo e la forza con cui espresse l’ultima frase “La rivedrò nell’estasi”. Mario Tiberini è uno dei pochi che possono coscienziosamente chiamarsi campione dell’arte, Angiolina fu un’Amelia fantastica, simpatica, insinuante per la voce dolce che esce dal cuore e l’espressione angelica…”.
Il 26 dicembre 1867 al Teatro alla Scala di Milano Tiberini, padrone dell’arte del canto e dello scavo psicologico del personaggio, riuscì a smuovere quella pance piene di risotto, perché ebbe momenti sublimi e soggiogò il pubblico.
Così scrive La Gazzetta Musicale di Milano il 31 dicembre 1867:
“Il Tiberini primeggiò fra tutti: egli creò un personaggio affatto nuovo della parte di Riccardo: fece comprendere e scoprire al pubblico bellezze fino ad ora sconosciute: questo artista nulla trascura: il minimo dettaglio, una parola, un gesto, sono per lui oggetto di uno speciale studio: dal principio alla fine dell’opera Tiberini venne fatto oggetto di continue e clamorose ovazioni. Fra i pezzi nei quali egli ci parve più notevole citeremo: la barcarola del primo atto e il seguente quintetto , il duetto d’amore del secondo atto; nell’ultimo atto la romanza di Riccardo, che non si era quasi mai udita e che ci apparve una deliziosa melodia, di forme accuratissime ed eleganti, ed in fine la scena della morte nella quale il Tiberini fu grande, ispirato, straziante. Questo stupendo finale dell’opera ha suscitato il più vivo entusiasmo, sì che il pubblico chiamò ben quattro volte all’onore del proscenio tutti gli artisti.”

(Da: Giosetta Guerra – Mario Tiberini, tenore).

2011-09-11T05:05:00.000-07:00

(Foto Binci)

Teatro Pergolesi di Jesi

Festival Pergolesi Spontini 2011

LA SALUSTIA di Giovan Battista Pergolesi.

(4 settembre 2011)

A cura di Giosetta Guerra

GRANDE MAGNIFICO PERGOLESI

La Salustia, primo dramma serio di Pergolesi su libretto tratto dal dramma Alessandro Severo di Apostolo Zeno, debuttò al S. Bartolomeo di Napoli nel 1732 col tenore Francesco Tolve nel ruolo di Marziano, destinato al Nicolino, evirato cantore che morì durante le prove e col Gizziello, virtuoso castrato soprano nella parte di Claudio, composta per un tenore.

L’opera, col testo della prima edizione e la revisione critica del musicologo Dale Monson, ritorna dopo 3 anni al Teatro Pergolesi con un nuovo allestimento e ruoli cambiati: baritono per Marziano, controtenore per Alessandro, due mezzosoprani per Salustia e Giulia, due soprani per Claudio en travesti e Albina.

L’opera è un susseguirsi ben concatenato di recitativi e lunghissime arie di bravura, che esprimono i conflitti interpersonali; il dinamismo dei recitativi confluisce nelle arie, che si aprono con una bella introduzione orchestrale e si chiudono in modo secco.

I giovani artisti ingaggiati a Jesi hanno dato prova di conoscere la prassi esecutiva barocca e di saperla mettere in atto, ma la qualità della voce ha fatto la differenza dei risultati.

Regina assoluta è risultata Serena Maffi, una virtuosa con la voce, nel ruolo di Salustia, figlia di Marziano e sposa dell’imperatore Alessandro. Il mezzosoprano ha voce robusta, armoniosa e sonora anche nei recitativi, suono ricco, denso ed esteso nelle arie di dolore; esegue la grand’aria di bravura “Tu m’insulti”, aria eroica agitatissima in orchestra con fitte arcate dei violini con energia, duttilità, elasticità, ottime note gravi; la voce emerge per volume, colore, vibrazioni nel quartetto “Vado a morir ben mio” (fine II atto); penetranti slanci acuti di dolore, linea di canto delicata ed omogenea, formidabile tenuta del suono, padronanza della messa di voce nell’aria patetica “Per queste amare lacrime” del III atto.

Brava attrice e brava cantante Laura Polverelli nel ruolo dell’imperatrice Giulia, madre padrona di Alessandro e nemica giurata di Salustia, che invece per ben due volte le salva la vita.

Il mezzosoprano possiede tecnica e temperamento, un mezzo vocale prorompente, abilità nel canto sbalzato, padronanza del canto di coloratura, affronta il virtuosismo delle arie di furore con voce bella, estesissima e solida (“Odio di figlia altera” coi virtuosismi del corno – II atto) e con esplosioni nella tessitura acuta (aria di furia “Se all’ultimo suo fato” - III atto supportata dalla velocità degli archi).

Il baritono Vittorio Prato (Marziano, generale di Alessandro e padre di Salustia) esibisce una voce piuttosto chiara con vibrato, estesa e più consistente in zona acuta, evidenzia qualche asperità e agilità poco fluide, ma buona tecnica e tenuta scenica .

Le arie di Giulia e di Marziano hanno come connotato comune l’aggressività che si esprime con arie di furore e di tempesta, agitate in orchestra: i due si odiano, ciononostante sono gli unici che si lasciano andare ad atteggiamenti erotici.

Più spessore vocale e più naturalezza d’emissione avrebbero tolto il pigolio nella voce del controtenore sopranista Florin Cezar Ouatu (Alessandro) e non lo avrebbero fatto arrivare spompato alla fine; l’accento è sempre un po’ troppo marcato, tuttavia tecnicamente il cantante è ben preparato: percorre con agilità l’ardua tessitura, si spinge facilmente in zona acuta, esegue bene il canto di sbalzo, canta con morbidezza le arie di dolore.

Il soprano en travesti Maria Hinojosa Montenegro (Claudio, cavaliere romano) ha voce piuttosto carente in zona grave, che però si espande con naturalezza in zona acuta e canta bene le arie amorose.

Il soprano Giacinta Nicotra (Albina, inizialmente in abiti maschili) esibisce bei suoni fissi, emissione corretta e una vocalità non sempre all’altezza della situazione.

Dall’Ouverture vigorosa e densa al Finale trionfante, passando attraverso le magnifiche introduzioni strumentali delle arie, l’Accademia Barocca de I Virtuosi Italiani, un organico di 24 elementi, si fa interprete della grande potenza espressiva della musica pergolesiana, destreggiandosi con maestria tra i tempi vivaci, pacati, danzanti, agitati della scrittura musicale. Corrado Rovaris al cembalo e alla direzione dell’ensemble effettua una lettura piacevolissima della partitura, restituendo il colore e la brillantezza della musica barocca e la magnifica arte del grande Pergolesi.

Molto originale e funzionale il nuovo allestimento scenico, uscito dal lavoro incrociato di regista (Juliette Deschamps), scenografo (Benito Leonori), costumista (Vanessa Sannino) e disegnatore luci (Alessandro Carletti).

Dato che la vicenda si svolge a Roma durante il regno dell’imperatore Alessandro Severo (dal 222 al 235), la scena presenta una parte esterna del Colosseo con tre ordini di archi con palchi praticabili all’interno per l’azione in ambienti da immaginare, il modulo architettonico è posto a metà palcoscenico su un pavimento irregolare di mattoni e a lato c’è un grosso lampadario caduto a terra.

I costumi non sono romani ma settecenteschi con elementi moderni comprese le capigliature.

Intelligenti ed originali trovate registiche sostituiscono il cambio degli ambienti: scritte col carboncino sul muro pro e contro le due donne rivali, vapori che escono dall’alto dei palchi per le terme imperiali, proiezioni confuse dietro gli archi per il combattimento di Marziano con la fiera in arena, il muro che si tinge di rosso col veleno caduto dal calice di Giulia, candelieri accesi, piatti e coppe di metallo posati su tutti i palchi per le scene nella reggia, vasellame che viene poi buttato giù a terra per disprezzo, la pioggia di polvere e fogli bianchi come simbolo di disfacimento e così via.

2011-08-29T12:52:00.000-07:00

dr.gam "Summer Tour 2011" Romagna/Marche

Si chiude tra la Romagna e le Marche il " dr.gam Summer Tour 2011".

Altre profonde impronte lasciate dall'artista sul suo ormai decennale cammino tra America ed Europa e che in questo tour totalmente italiano ha richiamato più di diecimila persone nelle piazze e nei locali del Trentino, del Veneto, delle Marche, dell’Umbria e della Puglia.

Per il mese di settembre sono previste altre quattro date: due in Romagna, la prima giovedì 1 settembre alle ore 21.00 in viale Ceccarini a Riccione (RN) alla "Bodeguita del Medio" e la seconda in collaborazione con "Cattolica per la Tanzania" a Cattolica (RN) il 3 settembre in Piazza 1° maggio alle ore 22.00.

La chiusura del tour sarà nelle Marche con altre due date, il 17 settembre a Cerreto D'Esi (AN) e gran finale in piazza del Comune a Fabriano (AN) come artista di punta della "Notte Blu", nota manifestazione organizzata da Radio Blu.

Per chi ancora non lo sapesse dr.gam è l'acronimo di Andrea Gamurrini, cantante, chitarrista e autore tosco-marchigiano, personaggio noto agli addetti ai lavori ma schivo ai media, intimo e travolgente nelle sue performances, di forte impatto per presenza scenica e profondità della sua voce calda e scura, che arriva dritta prima allo stomaco per poi essere inevitabilmente custodita nelle parti più nascoste del cuore.

dr.gam è una realtà fondamentale del panorama musicale nazionale. Numerosissimi sono i concerti, altrettanto numerose le collaborazioni con musicisti di primissimo livello sia nazionale che internazionale, con alle spalle un album dal titolo "The New Medicine Show", il video del brano "Our Roots" girato l'anno scorso in Giamaica e di prossima uscita ed un nuovo album in lavorazione da Ottobre che vedrà la luce nell'estate 2012.

2011-08-27T15:00:00.001-07:00

XI FESTIVAL PERGOLESI SPONTINI
(2 - 17 settembre 2011)
Jesi, Ancona, Maiolati Spontini, Montecarotto, Monte San Vito

PROGRAMMA

2 – 4 settembre 2011, ore 20
Jesi, Teatro G.B. Pergolesi
LA SALUSTIA
Dramma per musica in tre atti
da un adattamento anonimo di Alessandro Severo di Apostolo Zeno
musica di Giovanni Battista Pergolesi
revisione critica a cura di Dale Monson
Edizioni Fondazione Pergolesi Spontini
Prima rappresentazione: Napoli, Teatro San Bartolomeo, 1732

Personaggi e interpreti
Marziano Vittorio Prato
Salustia Serena Malfi
Giulia Laura Polverelli
Alessandro Florin Cezar Ouatu
Albina Giacinta Nicotra
Claudio Maria Hinojosa Montenegro

direttore Corrado Rovaris
regia Juliette Deschamps
scene Benito Leonori
costumi Vanessa Sannino
luci Alessandro Carletti
assistente alla regia Alma Terrasse
Accademia Barocca de I Virtuosi Italiani
Nuovo allestimento

1 settembre 2011, ore 20 - anteprima giovani
3 settembre 2011, ore 21
Jesi, Teatro G.B. Pergolesi
LA SERVA PADRONA
intermezzi di Gennarantonio Federico
musica di Giovanni Battista Pergolesi
revisione critica a cura di Francesco Degrada
Prima rappresentazione: Napoli, Teatro San Bartolomeo, 1733

Personaggi e interpreti
Serpina Alessandra Marianelli
Uberto Carlo Lepore
Vespone Jean Méningue

ATTO SENZA PAROLE I
di Samuel Beckett
Un uomo Jean Méningue

direttore Corrado Rovaris
regia Henning Brockhaus
scene Benito Leonori
costumi Giancarlo Colis
luci Alessandro Carletti
assistente alla regia Valentina Escobar
Accademia Barocca de I Virtuosi Italiani
Nuovo allestimento

6 settembre 2011, ore 20 - anteprima giovani
8 – 10 settembre 2011, ore 20
Jesi, Teatro V. Moriconi
L’OLIMPIADE
Melodramma in tre atti di Pietro Metastasio
musica di Giovanni Battista Pergolesi
revisione critica a cura di Francesco Degrada e Claudio Toscani
Edizioni Fondazione Pergolesi Spontini
Prima rappresentazione Roma Teatro Tordinona, 1735

Personaggi e interpreti
Clistene Raul Gimenez
Aristea Lyubov Petrova
Argene Yetzabel Arias Fernandez
Licida Jennifer Rivera
Megacle Sofia Soloviy
Aminta Antonio Lozano
Alcandro Milena Storti

direttore Alessandro De Marchi
regia Italo Nunziata
scene Luigi Scoglio
costumi Ruggero Vitrani
luci Patrick Latronica
assistente alla regia Patrick Mailler
Academia Montis Regalis
Allestimento della Fondazione Pergolesi Spontini

9 settembre 2011, ore 21
Ancona, Cattedrale di San Ciriaco
CONCERTO SPIRITUALE
in occasione del XXV CONGRESSO EUCARISTICO NAZIONALE
musiche di A. Vivaldi, J.S. Bach e G.B. Pergolesi
soprano Debora York
mezzosoprano Michaela Selinger
direttore Rubén Dubrovski
Bach Consort Wien

Antonio Vivaldi
Concerto in si min per archi e basso continuo RV 580, n° 10 da L’Estro armonico op. 3

Anonimo (da Giovanni Battista Pergolesi)
La Maddalena al Sepolcro
Travestimento spirituale della Cantata “Nel chiuso centro” per soprano, archi e basso continuo
Revisione critica di Claudio Bacciagaluppi
Edizioni Fondazione Pergolesi Spontini
Prima esecuzione moderna

Giovanni Battista Pergolesi
Salve Regina
Antifona in fa min. per contralto, archi e basso continuo
Revisione critica a cura di Federico Agostinelli
Edizioni Fondazione Pergolesi Spontini

Johann Sebastian Bach
Tilge, Höchster, meine Sunden BWV 1083
Salmo LI - Parafrasi sullo Stabat Mater di G.B. Pergolesi
Edizioni Bärenreiter

11 settembre 2011 ore 21
Monte San Vito, Teatro La Fortuna
ACCADEMIA METASTASIANA
musiche di J.C. Bach, D. Cimarosa, G. Paisiello
soprano Veronika Kralova
mezzosoprano Aurora Faggioli
fortepiano Andrea Coen

16 settembre 2011 ore 21
Montecarotto, Teatro Comunale
MUSICHE NUOVE
musiche di C. Cimpanelli, M. Taralli, L. Gregoretti
soprano Maria Abbate
mezzosoprano Mariangela Marini
tenore Roberto Jachini Virgili
baritono Giampiero Cicino
pianoforte Sara Zampetti, Marta Tacconi
harmonium Saverio Santoni
Coro Regina della Pace - maestro del coro Diego Pucci

Claudio Cimpanelli
Ave Maria II*
Salve Regina *

Marco Taralli
Piccolo Stabat mater*

Lucio Gregoretti
Missa Sancti Johannis Baptistae, in memoriam Johannis Baptistae Pergolesi*

*Prima esecuzione assoluta

17 settembre 2011 ore 21
Maiolati Spontini, Teatro G. Spontini
MARIA PIA DE VITO: IN COMPAGNIA D’AMORE
musiche di G.B. Pergolesi rielaborate da F. Couturier
voce Maria Pia De Vito
pianoforte e arrangiamenti François Couturier
violoncello Anja Lechner
percussioni e electronics Michele Rabbia

Inaugurazione della 44^ Stagione Lirica di Tradizione
28 settembre 2011, ore 16 – anteprima giovani
30 settembre 2011, ore 21
2 ottobre 2011, ore 16
LO FRATE ‘NNAMORATO
Commedia per musica in tre atti di Gennarantonio Federico
musica di Giovanni Battista Pergolesi
revisione critica a cura di Francesco Degrada
Edizioni Universal Music Publishing Ricordi srl, Milano
Prima rappresentazione: Napoli, Teatro dei Fiorentini, 27 settembre 1732

Personaggi e interpreti
Marcaniello Nicola Alaimo
Ascanio Lucia Cirillo
Nena Patrizia Biccirè
Nina Jurgita Adamonyte
Lugrezia Barbara Di Castri
Carlo David Alegret
Vannella Laura Cherici
Cardella Rosa Bove
Don Pietro Filippo Morace

direttore Fabio Biondi
regia e scene Willy Landin
costumi Elena Cicorella
assistente alle scene Pilar Camps
Europa Galante
Nuovo allestimento
Le manifestazioni saranno trasmesse da Rai Radio 3

INFORMAZIONI
Fondazione Pergolesi Spontini
Via Mazzini, 14 – 60035 Jesi (AN) - Italia
Tel. +39 0731 202944
Fax +39 0731 226460
info@fpsjesi.com

giosetta guerra

2011-08-20T13:19:00.001-07:00

Sferisterio di Macerata

11 agosto 2011

GALA DANZA ALL’OPERA

SVETLANA ZAKHAROVA, étoile del Teatro Bol’šoj di Mosca,

e i SOLISTI DEL TEATRO BOL’ŠOJ DI MOSCA E DEL TEATRO DELL’OPERA DI KIEV

(prima esclusiva regionale ed evento speciale di Sferisterio Opera Festival in collaborazione con Civitanova Danza)

di Giosetta Guerra

Il grande palcoscenico dello Sferisterio di Macerata si presta alla danza di ogni tipo e non crea ostacoli alla visibilità, specialmente se si lascia nudo e crudo.

La sera dell’11 agosto 2011 l’Arena era gremita da cielo a terra e credo che tutti abbiano goduto del magnifico spettacolo offerto dall’étoile del Teatro Bol’šoj di Mosca SVETLANA ZAKHAROVA e dai Solisti del Teatro Bol’šoj di Mosca e del Teatro dell’opera di Kiev, che si sono esibiti in un puzzle di coreografie, le più intense e più spettacolari del balletto internazionale su musica registrata.

“La danza non consiste soltanto nel fare acrobazie sulle punte. Bisogna saper raccontare una storia, trasmettere emozioni, e solo le grandi ballerine sanno trasformare un arabesque in poesia", affermava Carla Fracci. E SVETLANA ZAKHAROVA ha proprio questo obiettivo.

Ha aperto il Gala proprio la ZAKHAROVA con Carmen Suite, la storia di Carmen coreografata da Alberto Alonso sui più noti brani dell’opera di Georges Bizet e di Rodion Ščedrin. Lei è una gitana determinata e travolgente, che intreccia con Josè ed Escamillo e con la morte stessa (un’impressionante magrissima figurina nera) un dialogo forte, si muove con leggerezza sulle punte ed esegue frequenti spaccate in piedi sulle punte con estrema naturalezza (adage seule en scène e à deux che richiedono grande capacità di equilibrio e di tenuta delle gambe), l’unicità del collo del suo piede accentua l’elasticità dei suoi passi, il suo corpo esile e snodato si piega a figure plastiche, a contorsioni avviluppanti sul corpo del partner, fino ad accartocciarsi su se stesso, tipo pupa di pezza, tra le braccia di Josè nella scena della morte. La coreografia si basa sull’intensità dell’interpretazione che a volte si esprime con movenze lente e gesti larghi e a volte segue ritmi ben scanditi e movimenti stilizzati, ottimizzata da un disegno luci adeguato alle situazioni con prevalenza del colore rosso (amore, passione, sangue) e del viola. Rosso e nero per i costumi di Carmen, colori pastello per gli altri.

Di altissimo livello anche i suoi partners: Andrej Uvarov (étoile del Balletto del teatro Bolshoi di Mosca, morbido e sinuoso nel ruolo di Don Josè), Georgij Smilevski (solista del Balletto del teatro Stanislavskij di Mosca, passionale, snodato, agile nelle pirouettes nel ruolo del torero Escamillo), Jan Vanja (solista del Balletto dell’Opera di Kiev, elegante in quello del Governatore). Brave anche le due ballerine che si esibiscono sulle punte anche al ritmo del battito delle mani. L’allestimento scenico della Fondazione Teatro del Maggio Musicale Fiorentino è costituito di un lungo muro di cinta, costellato di seggiole stilizzate con alti schienali, un drappo rosso con testa di toro sul fondale. Le scene riprese da Roberta Lazzeri erano di Boris Messerer.

Ancora la ZAKHAROVA in rosso per il pas de deux Macbeth insieme ad Andrej Uvarov avvolto da uno svolazzante mantello arancione con coreografia di Vladimir Vasiliev su musica di Kirill Molčalov. Per esprimere la follia e l’inquietudine i due ballerini si lanciano in uno sfrenato pas de deux, creando suggestive figure coi corpi e con un intreccio di gambe che sembrano tentacoli, prodigandosi in pas couru, grands batements e personalissimi port des bras lei e in grands jetés lui.

In Revelation (coreografia di danza contemporanea creata appositamente per lei dalla giapponese Motoko Hiroyama su musica straniante di John William) la Zakharova indossa un leggerissimo abito bianco lungo che aderisce alle contorsioni di un corpo flessuosissimo, al fluido continuo dei movimenti che esprimono dolore, agli scatti improvvisi delle mani e delle braccia che si muovono come ali, delle gambe che si aprono a spaccate superiori a 180° in piedi sulle punte e a grands écarts en arrière e en l’air.

Per il gran finale classico la Zakharova esegue La morte del cigno (coreografia Mikhail Fokin, musica Camille Saint-Saëns) al buio con l’occhio di bue puntato su di lei; in tutù bianco corto, entra di spalle ed esegue una lunga ininterrotta danza senza mai scendere dalle punte per tutto il palcoscenico, piega il busto oltre il possibile e le braccia sembrano nastri fluttuanti nell’aria. Splendida ballerina classica, la Zakharova, oltre ad avere una padronanza tecnica di superba levatura, è una sublime interprete, raffinata e sensibile, che si distingue per le emozioni che sa trasmettere.

Ad intervallare, altre coreografie sia del repertorio classico che di quello moderno hanno messo in luce la padronanza tecnica di straordinari ballerini.

Per Le Corsaire, pas de deux con arabesques, pirouettes, prese varie, intervallato da assoli, (coreografia di Marius Petipa e musica di Adolphe Adam e Cesare Pugni basato sul poema The Corsair di Lord Byron -1814) si sono esibiti due giovani solisti del Balletto del teatro Bolshoi di Mosca, Anastasija Staškevič in un brillante tutù celeste corto e Vjačeslav Lopatin a dorso nudo. Negli assoli il ballerino si è sbizzarrito in una sequenza di passi di straordinario effetto: grand jeté in diagonale, pas de chat en air, passé, menage con piquets en dedans e con grand jeté en l’air e la ballerina ha esibito pirouettes en déhors e fouettés en tournant.

La parentesi contemporanea è stata riempita dall’assolo Feeling Good, danzato e coreografato da Denis Untila (solista dell’Alto Ballet Theater di Essen) su musica di Nina Simone. Il ballerino, che danza a dorso nudo, ha una muscolatura solida e flessibilissima, è un virtuoso, agilissimo nelle sue esibizioni sia a terra che in volo.

Bravissimi i due solisti del balletto dell’Opera di Kiev, Olga Kifjak e il giovanissimo Jan Vanja nel passo a due del repertorio classico, Esmeralda su coreografia di Jules Perrot e musica romantica di Cesare Pugni. Lui in nero (fusó e corpetto di velluto con strass) abilissimo in batements, pirouettes, manèges con grand jeté, lei in tutù nero con sottogonna rosso si prodiga in passi e figure molto belle, come arabesque, sauté, pas de chat, pas de bourrée, entré lancé, echappé.

Infine Les Bourgeois coreografia di Ben Van Cauwenbergh su musica di Jacques Brel, assolo danzato da bravissimo Denis Untila (in pantaloni e camicia) con un mixage di passi classici e virtuosismi e il pas de deux Les Flammes de Paris coreografia di Vasilij Vajnonen su musica allegra di Boris Asafiev interpretata da Anastasija Staškevič, in tutù bianco e corpetto grigio, che sciorina pas ballonés in punta, fouettés, pirouettes con grazia e precisione e Vjačeslav Lopatin che, grazie alla tecnica e ad una muscolatura che gli permette di disegnare figure eccezionali, dimostra di essere un bravo virtuoso dotato di grande equilibrio.

Peccato che alla fine dello spettacolo la grande ballerina si sia negata ai suoi fans, che l’hanno attesa per più di mezz’ora (almeno fino a quando io e alcune persone di una scuola di ballo siamo rimaste lì) e nel frattempo gli altri ballerini se ne sono andati senza che qualcuno di noi li abbia riconosciuti.

2011-08-18T00:30:00.000-07:00

Premio Tiberini 2011 super

Grandi ospiti e alta qualità al Premio Tiberini istituito fin dal 1989 e diretto artisticamente da Giosetta Guerra.

di Anna Indipendente

1. Il Coro del Teatro Regio di Parma al Premio lirico Internazionale Mario Tiberini

Cattolica (RN). Quest'anno il Premio Lirico Internazionale Mario Tiberini si è articolato in quattro appuntamenti di prestigio: 26-27-30 giugno e 16 luglio 2011. Per il primo appuntamento, una delle voci verdiane più rilevanti di quest'ultimo periodo è stata incoronata "Regina del melodramma italiano":

Dimitra Theodossiou che si è esibita nel concerto dal titolo Le eroine del melodramma, accompagnata al pianoforte dal M° Simone Savina; in concomitanza il Premio Tiberini d'argento è stato assegnato al Coro lirico della Regina di Cattolica, diretto dal M° Gilberto del Chierico;

per l'appuntamento del 27 giugno 2011, l'elevata qualità musicale del Coro del Teatro Regio di Parma, diretto al pianoforte dall'ottimo M° Martino Faggiani in un concerto in omaggio al 150° dell'Unità d'Italia: i Cori del Risorgimento Italiano; per il 30 giugno una serata a metà tra il Barocco e il belcanto, in cui nella prima parte la presenza del M° Claudio Scimone, in veste di maestro al cembalo e alla guida dei suoi Solisti Veneti, ha dato lustro al Premio Tiberini d'oro, mentre nella seconda parte il belcanto ha avuto come protagonista l'ineffabile voce del mazzosoprano Sonia Ganassi, che si è alternata al tenore in carriera Enrico Giovagnoli, rispettivamente Premio Tiberini d'oro alla prima e d'argento al secondo; la chiusura della manifestazione, il 16 luglio, non avverrà sul palco del Teatro della Regina di Cattolica (RN), come nel caso dei primi tre appuntamenti, ma al Teatro Mario Tiberini di San Lorenzo in Campo (PU):

protagonisti della serata in un concerto tra il serio e il faceto i cantanti Simone e Nicola Alaimo che riceveranno il Premio Tiberini d'oro, mentre al soprano Silvia Tortolani andrà il Tiberini d'argento, tutti accompagnati al pianoforte dal M° Mirca Rosciani, premiata con l'argento. Tutta la manifestazione è presentata da colei che, guidata sempre da un instancabile amore per il teatro d'opera, ne è stata la creatrice, ben venti anni fa nel lontano 1989, e ne è tuttora il Presidente e Direttore Artistico, la prof.ssa Giosetta Guerra, affiancata dalla giovane Chiara Gamurrini. È importante inoltre precisare che l'intero festival è in realtà anche un GALA DI BENEFICIENZA con lo scopo edificante di trovare i fondi per portare a termine la costruzione di una scuola secondaria in Tanzania a Karansi, ai piedi del Kilimanjaro e in questo l'associazione musicale Mario Tiberini è stata coadiuvata dall'associazione Cattolica per la Tanzania (onlus), coordinata dal dottor Maurizio Lugli, già da qualche anno impegnato a portare sollievo alle popolazioni di questi luoghi, grazie all'opera galvanizzante del sacerdote tanzaniano Padre Calistus Tarino.
Veniamo alla serata del 27:

Un suggestivo progetto di spettacolo ideato dal M° Marti no Faggiani che inquadra storicamente i brani corali, dirige il coro e lo accompagna al pianoforte (così recita il pro gramma di sala). Ma il pubblico, formato essenzialmente da melomani dalla chioma un po' argentata, come ha reagito dinanzi a questa nuova formula, quasi una lezione-concerto? Ebbene, si è letteralmente lasciato sedurre e coinvolgere dalla personalità istrionica e appassionata del Faggiani che con abile intelligenza musicale lo ha saputo condurre, quasi prendendolo per mano, all'interno delle partiture verdiane (quelle più famose, scritte dal 1842 al 1853), facendogliele gustare una ad una, attraverso il suo personale stile, caratterizzato da una profonda e
magistrale perizia tecnico-musicale. In questo modo il pubblico è entrato direttamente a contatto con l'essenza della personalità drammaturgico-musicale verdiana. Non è stato un caso se il Maestro Faggiani ha espresso in maniera chiara e inequivocabile il suo pensiero su certe attualizzazioni registiche delle opere del compositore bussetano, oggi tanto in voga, ma che spesso finiscono per essere dei meri tradimenti della sua drammaturgia. Cosa voleva esprimere Verdi nelle sue opere? Semplicemente l'uomo, nella sua verace realtà: nel bene e nel male, scandagliato senza pregiudizi di sorta (vedi Violetta o Rigoletto) in tutte le sfumature: è caro al cigno di Busseto il confronto dell’individuo con la propria coscienza e identità, la presenza del male nella natura umana e la lotta con esso, il rapporto con il potere. Tutte tematiche presenti nel suo poeta prediletto, Shakespeare, verso il cui teatro Verdi nutrì un rapporto particolare, quasi una sorta di venerazione che durò per tutta la sua vita: Macbeth, Otello, Falstaff lo testimoniano, ma anche Amleto, Re Lear, sogni accarezzati e mai realizzati (Baldini). Uno dei mezzi privilegiati scelti dal c ompositore bussetano per mettere in pratica i propri convincimenti drammatici fu la cosiddetta "parola scenica", una prosa concisa, forte, significante, in grado di tradurre precisamente la situazione drammatica , sul cui altare sacrificò il rapporto con fior fiore di librettisti. Ai cantanti Verdi non si stancava mai di raccomandare di studiare bene la posizione e le parole, la musica sarebbe venuta in maniera conseguenziale. Quella stessa parola che il Coro del Teatro Regio di Parma, pur nella sua formazione non completa, ha saputo ben mettere in evidenza, permettendo a noi del pubblico di immaginare la scena
anche senza rappresentazione.
Gli elevati standard qualitativi del Coro sono subito apparsi evidenti nell'accuratezza e precisione degli attacchi, nell'articolazione chiara, compatta e uniforme de lle parole: sembrava di ascoltare una sola voce, piuttosto che soprani, tenori, contralti e bassi. La scaletta del programma di sala è stata stravolta dal direttore che ha ritenuto opportuno aggiungere qualche brano, come ad esempio l'allegro, fortemente ritmato dall'atto I del Rigoletto (1851) Zitti, zitti moviamo a vendetta, in cui il Coro, rappresentato dai nobili cortigiani, rapisce Gilda, facendo credere a Rigoletto che si tratta del ratto della contessa di Ceprano e non della figlia; in questo brano il Coro ha mostrato un controllo e un addestramento certosino nell'esecuzione del sillabato a mezza voce, deliziando il pubblico; l'altro brano è stato il famosissimo Noi siamo zingarelle e Di Madrid noi siam mattadori, dall'atto II della Traviata (marzo 1853), anch'esso dal ritmo rapido e st accato, in cui il M° Faggiani aggiungendo una nota di colore presenta gli zingari come degli hippies ante litteram o anarchici contestatori. Interessante è stato poi il confronto impari, per diversità di stile, tra le due opere patriottico-corali di Verdi, una il Nabucco (1842), unitaria e compatta, e l'altra La Battaglia di Legnano (1843), discontinua e frammentaria. Dal I Atto del Nabucco il Coro ha eseguito Gli arredi festivi, canto di disperazione degli ebrei oppressi dal re d'Assiria, Nabucco, che ha invaso la loro terra e allora i Leviti incitano le vergini ebree a pregare per la salvezza d'Israele; si tratta di un brano in cui il Coro del Teatro Regio di Parma ha rivelato nitidezza e duttilità vocale tra le altre sue qualità. Il brano O Signore dal tetto natio dal IV Atto, de La battaglia di Legnano, forse la pagina più celebre di tutta l'opera, è un'accorata preghiera al Signore, che ha chiamato i crociati dalla terra natia per liberare Gerusalemme dal dominio dei musulmani, dal caratteristico ritmo giambico che fa da tessuto musicale: fra le sabbie infuocate ricordano l’aria fresca, i ruscelli, i laghi della terra lombarda, ma qui nella rimembranza il ritmo si stempera in un andamento più disteso ed elegiaco. A questo punto il riferimento alla celeberrima pagina di Va pensi ero sulle ali dorate dal III Atto del Nabucco è d'obbligo, in quanto ha in comune lo stesso sentimento di nostalgia dolorosa per la propria patria, ma, mentre La battaglia di Legnano fu stroncata dai critici come opera tagliata con l' accetta (Baldini) e addirittura dal France musicale come opera che non valeva un soldo, il Nabucco invece ebbe un grande successo con settanta repliche solo alla Scala . Vale la pena di ricordare qualche differenza tra le due versioni del brano Patria oppressa del IV Atto di Macbeth, quella del 1847 e del 1865, anche qui si tratta di una preghiera dolorosa e rassegnata dei deportati scozzesi che piangono la loro patria, insanguinata dal tiranno. Nella versione francese del 1865 questo Coro fu riscritto (compreso il testo) daccapo. Un ultimo cenno va a Vedi le fosche notturne spoglie dal II Atto del Trovatore (gennaio 1853): ai piedi di un monte in un accampamento di zingari, Azucena ricorda la morte della madre sul rogo, accusata di stregoneria dal Conte di Luna; il brano è stato commentato dal M° Faggiani che ha evidenziato gli elementi descrittivi della scrittura operistica del cigno di Busseto. Alla fine il pubblico ha cantato con partecipazione entusiastica l'I nno di Mameli (1847).

2. Serata elettrizzante per il 3° appuntamento del Premio Lirico Internazionale Mario Tiberini

Cattolica (RN). Tenutosi a Cattolica al Teatro della Regina, giovedì 30 giugno, il concerto fa parte di un GALA DI BENEFICIENZA che ha lo scopo edificante di trovare i fondi per portare a termine la costruzione di una scuola secondaria in Tanzania a Karansi, ai piedi del Kilimanjaro e in questo l'associazione musicale Mario Tiberini, organizzatrice del festival è stata coadiuvata dall'associazione Cattolica per la Tanzania (onlus), coordinata dal dottor Maurizio Lugli, già da qualche anno impegnato a portare sollievo alle popolazioni di questi luoghi, grazie all'opera galvanizzant e del sacerdote tanzaniano Padre Calistus Tarino.
Si è trattata di una serata più varia e meno omogenea rispetto alle due precedenti, ma pur sempre accattivante ed emozionante per la presenza sul palcoscenico di musicisti dal calibro internazionale quali Claudio Scimone, il quintetto de I Solisti Veneti e il mezzosoprano Sonia Ganassi che hanno portato letteralmente il pubblico in visibilio con le loro performances di alto profilo musicale, all'insegna del virtuosismo più sfrenato. La serata, presentata dal suo Direttore Artistico Giosetta Guerra, affiancata dalla giovane Chiara Gamurrini

è stata divisa in due parti: la prima, tutta destinata alla musica strumentale baroc ca quasi prevalentemente veneziana nella cu i diffusione da oltre cinquant'anni è impegnato l'ensemble de I solisti Veneti, fondati dal suo leader Claudio Scimone nel lontano 1959; la seconda parte invece ha visto come protagonista la vocalità belcantistica ottocentesca dell'impareggiabile mezzosoprano Sonia Ganassi e del giovane emergente Enrico Giovagnoli, accompagnati al pianoforte dalla pianista Donatella Dorsi. Al tenore pesarese è stato conf erito il Premio Tiberini d'argento, mentre il Premio Tiberini d'oro è stato assegnato sia al M° Scimone che alla mezzosoprano Sonia Ganassi. A dire la verità avremmo preferito essere deliziati dal M° Scimone e dal suo gruppo barocco per la durata dell'intera serata, piuttosto che per mezzo concerto, idem per la Sonia Ganassi, ma il pubblico ha comunque mostrato di aderire entusiasticamente a questa diversa articolazione del concerto.
Il M° Scimone ha diretto e accompagnato il quintetto a l cembalo con la consueta perizia musicale che lo contraddistingue, nonostante fosse su una sedia a rotelle per un incidente in via di risoluzione. Nel concerto di questa serata i solisti veneti contavano al loro interno la presenza di alcuni fondatori, veri pilastri del gruppo, come il violino solista Lucio Degani, il secondo violino Chiara Parrini, il violoncellista Giuseppe Barutti, ma si sono distinti per l'alto magistero tecnico anche il violista Giancarlo di Vacri e la consorte del M° Scimone, Clementine, all'ottavino. Il gruppo ha saputo ben manipolare l'attenzione del pubblico dirigendolo verso un crescendo di emozioni, via via che i brani divenivano di sempre più impegnativa esecuzione. Di repertorio la sonata a tre (due violini e B.C. Con cello) di Vivaldi (1678- 1741) op.1 n°12, sul tema celeberrimo de la Follia, danza contadina di origine portoghese, su cui si sono cimentati la maggior parte dei compositori del sei-settecento, da Frescobaldi (partite) a Lully (che la usò come Passacaglia) a Corelli; dopo l'oasi lirica dell'iper famoso Adagio in sol min. di Tommaso Albinoni (1671-1751) per archi e cembalo, comincia a crescere poco a poco la tensione
virtuosistica, dapprima con le

Variazioni su un tema della Cenerentola di Rossini, in particolare il tema è quello dell'aria Non più mesta accanto al fuoco, composto da Chopin (1810-1849) per ottavino e archi, poi arriva all'acme con il famoso Trillo del diavolo, Sonata in sol min. G5 di Giuseppe Tartini (1692-1770) per violino solista e cembalo, fino alla Czarda di Vittorio Monti (1868-1922), composta nel 1904, su una famosa danza tzigana, di carattere rapsodico che ha strappato al pubblico un applauso entusiastico ed interminabile, anche perchè il violoncellista ad un certo punto della performance, mentre suonava recitava anche dei versi arrivando ad un grido impetuoso finale che sorprendendo il pubblico lo ha mandato in delirio. C'è stato anche un fuori programma con le Variazioni sul Carnevale di Nicolò Paganini (1782-1840), anch'esso molto applaudito. Nella seconda parte il mezzosoprano Sonia Ganassi si è esibita in un repertorio raffinato, tutto francese che ha ben messo in risalto le sue qualità vocali, da O mon Fernand da La Favorite di Gaetano Donizetti (1797-1849) a Ma lyre immortelle da Sapho di Charles Gounod (1818-1893), a Mon coeur s'ouvre a ta voix da Samson et Dalila di Camille Saint Saens (1835-1921), fino alla graditissima Habanera finale dalla Carmen di Georges Bizet (1838-1875). La cantante, che ha rivelato qualche leggerissima difficoltà nelle zone alte, si è alternata sul palcolscenico al tenore Enrico Giovagnoli, che si è esibito in un repertorio quasi nazional-popolare, molto apprezzato dal pubblico con una tessitura da tenore lirico-leggero che ha spaziato da Pourquoi me reveiller dal Werther di Jules Massenet (1842-1912) a La donna è mobile dal Rigoletto di Giuseppe Verdi (1813-1901) alla canzone napoletana Marechiare di F. Paolo Tosti, alla fine ha poi messo in risalto una discreta capacità di padroneggiare la zona acuta con un brano poco eseguito, perchè pochissimo conosciuto: il Salve Regina di Mario Tiberini (1826-1880) che oltre ad essere un tenore era anche un buon compositore.

(Anna Indipendente)

Un Ballo in Maschera di Verdi - Sferisterio Opera Festival 2011, Macerata

2011-08-09T13:31:00.000-07:00

Sferisterio Opera Festival 2011/ Foto di Alfredo Taboccini

SFERISTERIO OPERA FESTIVAL 2011

Servizio di Giosetta Guerra

Un Ballo in Maschera - Pier Luigi Pizzi: MAGIA

Rigoletto - Massimo Gasparon: ARMONIA e COLORE

Così fan tutte - Pier Luigi Pizzi: LUCE

Arena Sferisterio di Macerata

Un Ballo in Maschera di Verdi

(22 luglio 2011, prima)

La MAGIA di Pier Luigi Pizzi

Bella prova di Stefano Secco, un eroico ed appassionato Riccardo

Una pedana centrale e due tribunette laterali per accogliere persone di ogni tipo (militari in grigio, civili in bianco che leggono il giornale) e arredi cambiati a vista, in primo piano due operatori video che proiettano sul muro la bandiera a stelle e strisce in triplice copia per l’ambientazione americana e le immagini ingrandite dei protagonisti (utilissime per cogliere l’espressione dei volti, anche se un po’ distraenti). Il conte Riccardo in divisa militare giunge su una decapotabile americana rossa, tipo Cadillac, e fa la sua bella figura grazie alla voce del tenore Stefano Secco. Di rosso sono vestiti Oscar al femminile e le due vallette che distribuiscono inviti al ballo. L’aspetto esoterico è rappresentato da una prosperosa maga negra in fuxia coi riccioli neri davanti ad una sfera di cristallo e ad una audience seduta, attenta e colorata, avvolta da una luce rossa.

Sul palcoscenico nudo dello Sferisterio nel secondo atto esplode la magia: fumi dai colori sinistri si espandono e invadono anche la platea, nebbie tagliate dalle torce dei poliziotti e dai fari delle motociclette avvolgono l’orrido campo dei drogati, dove Amelia velata si inoltra alla ricerca dell’erba magica e s’imbatte in scene raccapriccianti. Geniale l’idea di completare il quadretto familiare del terzo atto mettendo dentro la culla un bambino piccolissimo, vero, che, fino a tarda sera, in piedi, seduto, disteso, appoggiato alle sponde, si è mosso continuamente e batteva perfino il tempo; per finire con la scena del ballo intinta dai colori dei ballerini e delle majorettes, dai bagliori argentei dei mantelli degli invitati, dallo splendido abito bianco con strass e strascico di Amelia, ma l’occhio cade su un’agghiacciante figura, avvolta da un mantello argenteo con la faccia della morte sotto il cappuccio, accovacciata e immobile accanto a Riccardo morente (si muove solo quando lui spira).

Pier Luigi Pizzi (Tiberini d’oro 1999), nella triplice veste di scenografo, regista e costumista, assecondato dal fantastico disegno luci di Sergio Rossi, fa convivere l’elemento macabro accanto all’elemento frivolo e brillante con una cura certosina dei dettagli. Convivenza presente anche nella musica di Un Ballo in Maschera di Verdi, connotato come l’opera degli “opposti”. Il Maestro concertatore e direttore Daniele Callegari, molto coinvolto sul podio dell’Orchestra Regionale delle Marche, ha condotto i tempi musicali in sintonia col dramma, ha fatto emergere dal tessuto quasi sinfonico della raffinata orchestrazione verdiana le dinamiche che guidano le attese, le passioni, le emozioni, l’alternarsi di luci e ombre, la commistione di elementi tragici, romantici e di gaia leggerezza. Bravi. Bravo anche il Coro Lirico Marchigiano “Bellini” (Tiberini d’oro 2001), (particolarmente pastosa e sonora la sezione maschile), preparato e diretto da David Crescenzi.

Stefano Secco, in splendida forma, esibisce un mezzo vocale limpido e di bel timbro, sicuro nell’enfasi e nello slancio, nello squillo e nella tenuta del suono. Il tenore canta bene, affianca alla morbidezza della linea di canto, la scorrevolezza dell’emissione e la giusta scansione della parola, anche nel canto sillabato (“E’ scherzo od è follia”). Bravo cantante e bravo interprete con accento intenso e scandito, padronanza del canto sfumato e della parola scenica, è il baritono Marco Di Felice (Renato in divisa militare), corretto esecutore del dettato verdiano, anche se il peso vocale si alleggerisce nei gravi. Prova a fasi alterne quella del soprano ucraino Viktoria Chenska nel ruolo di Amelia nella serata d’apertura, a causa di un modesto spessore vocale e di una dizione poco chiara. Il colore è bello, buono è il modo di porgere compresa la messa di voce, luminosi e penetranti gli acuti, intensa l’interpretazione, lei è anche bella, ma non soddisfa appieno in questo ruolo. Agile e scintillante l’Oscar di Gladys Rossi, melodiosa nella zona acuta. Impressiona l’intensa interpretazione del mezzosoprano drammatico Elisabetta Fiorillo, sostenuta da una voce screziata e di notevole peso, anche se poco ferma e poco omogenea nei vari registri. La voce è importante, con acuti luminosi e taglienti, sensibili filati, gravi possenti ma un po’ aperti. Raoul D’Eramo (giudice) è un tenore leggerino. Buona la voce del baritono Alessandro Battiato nel ruolo del marinaio Silvano. Completano il cast Dario Russo (Tom), Antonio Barbagallo (Samuel), Enrico Cossutta (un servo d'Amelia).

Giosetta Guerra

Storia e curiosità

La prima di Un Ballo in Maschera ebbe luogo il 17 febbraio 1859 al Teatro Apollo di Roma, teatro costruito nel 1795 sulla Torre di Nona, antica prigione, distrutto nel 1925 in seguito alla costruzione dei muraglioni del Tevere e rimpiazzato con una fontana a ricordo del teatro.

Il tenore Mario Tiberini interpretò il ruolo di Riccardo dal 1862 l 1871 a Napoli, Roma, Firenze, Milano, Madrid.

Il 4 gennaio 1864 i coniugi Tiberini furono protagonisti di Un Ballo in Maschera al Teatro Apollo di Roma. Ecco cose scrive Il Pirata due giorni dopo: “I conjugi Tiberini eseguirono le parti a loro affidateda provetti artisti, che nulla lasciano a desiderare sia dal lato musicale sia da quello drammatico. Mario Tiberini si mostrò un Riccardo giustamente applaudito alla sua Cavatina, alla Barcarola, al Duetto dell’atto II, specialmente ebbe applausi per la Romanza del III, per la toccante dolcezza con cui eseguì il Largo e la forza con cui espresse l’ultima frase “La rivedrò nell’estasi”. Mario Tiberini è uno dei pochi che possono coscienziosamente chiamarsi campione dell’arte, Angiolina fu un’Amelia fantastica, simpatica, insinuante per la voce dolce che esce dal cuore e l’espressione angelica…”.

Il 26 dicembre 1867 al Teatro alla Scala di Milano Tiberini, padrone dell’arte del canto e dello scavo psicologico del personaggio, riuscì a smuovere quella pance piene di risotto, perché ebbe momenti sublimi e soggiogò il pubblico.

Così scrive La Gazzetta Musicale di Milano il 31 dicembre 1867: “Il Tiberini primeggiò fra tutti: egli creò un personaggio affatto nuovo della parte di Riccardo: fece comprendere e scoprire al pubblico bellezze fino ad ora sconosciute: questo artista nulla trascura: il minimo dettaglio, una parola, un gesto, sono per lui oggetto di uno speciale studio: dal principio alla fine dell’opera Tiberini venne fatto oggetto di continue e clamorose ovazioni. Fra i pezzi nei quali egli ci parve più notevole citeremo: la barcarola del primo atto e il seguente quintetto <È scherzo od è follia>, il duetto d’amore del secondo atto; nell’ultimo atto la romanza di Riccardo, che non si era quasi mai udita e che ci apparve una deliziosa melodia, di forme accuratissime ed eleganti, ed in fine la scena della morte nella quale il Tiberini fu grande, ispirato, straziante. Questo stupendo finale dell’opera ha suscitato il più vivo entusiasmo, sì che il pubblico chiamò ben quattro volte all’onore del proscenio tutti gli artisti.”

(Da: Giosetta Guerra - Mario Tiberini, tenore).

Rigoletto di Verdi - Sferisterio Opera Festival 2011

2011-08-09T12:43:00.001-07:00

Foto: Alfredo Tabocchini - Sferisterio Opera Festival 2011, Macerata

Arena Sferisterio di Macerata

Rigoletto di Verdi

(23 luglio 2011, prima)

ARMONIA e COLORE nell’allestimento di Massimo Gasparon

Le roi s’amuse…et le public aussi…

nonostante l’interruzione per pioggia all’ingresso di Sparafucile.

(La recita è stata ripresa alle ore 23 con la frase di Rigoletto “Quel vecchio maledivami”.)

La semplicità può essere originale? Per me sì, perché l’idea conta più della quantità del materiale usato. Massimo Gasparon, responsabile di scene, costumi e regia per l’opera Rigoletto, ha ideato un modulo architettonico a forma di prisma a base triangolare, che, girando su se stesso, mostrava sulle sue facce laterali i tre ambienti: il Palazzo Ducale affrescato con dipinti del Tiepolo, la facciata della casa di Rigoletto con un grande portale in pietra bianca e l’interno ligneo della casa dove si trovava Gilda.

Ambientata durante il carnevale di Venezia, nell’opera domina il colore che tinge le forme morbide ed elaborate dei bellissimi costumi in un intreccio cromatico non discordante ma armoniosamente avvolgente. La visione d’insieme è completata dall’attenta direzione registica di Gasparon, che ha escogitato soluzioni suggestive nel disporre le masse corali, e dallo splendido disegno luci di Sergio Rossi.

La rivelazione della serata è stata il giovane direttore d’orchestra Andrea Battistoni, che a soli 24 anni ha già un nutrito curriculum e soprattutto una spiccata abilità di entrare nel cuore della partitura e di restituire, alla guida dell’Orchestra Regionale delle Marche, la leggerezza delle goliardate del Duca, l’intensità nell’enunciazione delle frasi melodiche, il tormentoso flusso sonoro della vendetta e il ricamo di note delle scene d’amore. Ma ci ha piacevolmente convinto anche il tenore Ismael Jordi, un bel giovanotto sensuale e appassionato nel ruolo del Duca di Mantova, ma anche un artista che sa cantare. Il tenore porge bene una voce chiara, inizialmente un po’ freddina (“Questa o quella”), ma poi elargita con generosità, grazie alla facilità d’emissione, alla padronanza del registro acuto e sovracuto, alla morbidezza della linea di canto, alla buona la gestione del fiato e delle mezze voci, all’estensione e al bel timbro alla Florez (aria del II atto “Ella mi fu rapita” e cabaletta “Possente amor mi chiama”).

Il baritono Giovanni Meoni (Rigoletto) ha subito esibito una vocalità solida, di bel colore e di bella pasta (“Sì, vendetta”), è stato in grado di tenere lunghi fiati ("Voi maledetti") e di piegare la voce alla morbidezza del canto ("Deh, non parlare al misero"), la linea di canto è risultata ampia e l’interpretazione intensa, tuttavia alla fine non è uscito il dramma, il baritono canta bene, ma il canto è un po’ monocorde, perché manca lo scavo psicologico. Alla pastosità del canto di Rigoletto (“Veglia, o donna, questo fiore”) risponde la freschezza di Gilda (“Quanto affetto, quali cure”), un dialogo di rara suggestione, cantato perfettamente da Meoni e dalla Rancatore.

Una scintillante e melodiosa Désirée Rancatore ha interpretato Gilda, applaudita per il brillio dei trilli e dei gorgheggi, per i suoni rotondi, la messa di voce e i fiati lunghissimi del “Caro nome”, per la capacità di filare mantenendo il suono sonoro, come nell’aria più drammatica del II atto “Tutte le feste al tempio”, per la duttilità e l’estensione acuta della voce. Il basso Alberto Rota, nel duplice ruolo di Monterone e di Sparafucile, ha esibito voce ampia e di bel colore, gravi consistenti e tenuti a lungo. Annunziata Vestri (Giovanna) ha usato bene una buona voce di mezzosoprano. Gli altri: Tiziana Carraro (Maddalena), Lucio Mauti (Marullo), Enrico Cossuta (Matteo Borsa), William Corró (Il Conte di Ceprano), Antonio Barbagallo (un usciere di corte), Silvia Giannetti (un paggio della Duchessa). Presente e attivo in tutti gli atti il Coro Lirico Marchigiano “V. Bellini”, ottimo per la scioltezza scenica e la duttilità vocale, preparato e diretto da David Crescenzi.

Giosetta Guerra

Storia e curiosità

Rigoletto debuttò al Teatro La Fenice di Venezia l’11 marzo 1851 con Teresa Brambilla (Gilda), Felice Varesi (Rigoletto) e Raffaele Mirate (Duca di Mantova).
Il Duca di Mantova fu un ruolo caro anche al tenore marchigiano Mario Tiberini che lo interpretò tra il 1855 e il 1857 nelle Antille e negli Stati Uniti e lo cantò poi a Barcellona (1859) con Angiolina Ortolani che sposò nello stesso anno, a Napoli (1861-62), a Firenze (1862), a Madrid (1868-69) “Il tenore, accattivante nei pezzi di grazia e di sentimento, nei pezzi di forza ha trovato il modo di farsi applaudire senza far spreco inutile di voce”.
(Da: Giosetta Guerra - Mario Tiberini, tenore).

Il Piacere si ripete di Pier Luigi Pizzi - Così Fan Tutte di Mozart

2011-08-09T12:20:00.001-07:00

Al Teatro Lauro Rossi di Macerata

Così fan tutte di Mozart

(24 luglio 2011, prima) Foto: Alfredo Tabocchini- Sferisterio Opera Festival 2011, Macerata

(coproduzione col Teatro delle Muse di Ancona).

Il piacere si ripete

La LUCE di Pier Luigi Pizzi

L’impatto col biancore assoluto dell’impianto scenico è ancor più coinvolgente di quello avuto al Teatro delle Muse di Ancona; grazie alle dimensioni ridotte del Teatro Lauro Rossi di Macerata: la luce, guidata dalla mano esperta di Vincenzo Ramponi, si irradia per tutto il teatro e ingloba gli spettatori che hanno a pochi metri di distanza i protagonisti in palcoscenico e in coristi in fondo alla platea. Full immersion nell’azione e pieno godimento visivo e uditivo. Per la scena Pier Luigi Pizzi ha ricostruito una spiaggetta privata davanti ad un’elegante villetta bianca con scala esterna e grande terrazza e solarium al piano superiore, situata sopra un alto scoglio bianco, sospeso tra cielo e mare (fusi in una luce bianca); al centro ha posizionato un moscone di legno bianco. Sulla morbida coltre sabbiosa due baldi giovani, Guglielmo (amante di Fiordiligi) e Ferrando (amante di Dorabella), danno sfogo alla loro gioventù, in contrasto con la compostezza di Don Alfonso, guardati, ammirati e sostenuti dalle due fresche e ammiccanti padrone di casa, nonché sorelle, sotto lo sguardo vigile della cameriera Despina.

Per i costumi Pizzi ha sposato l’antico col moderno: gli uomini con codino e cappello a tre punte indossano abiti chiari classici, tradizionali anche i costumi dei travestimenti di Despina, le due sorelle hanno abiti attuali rigorosamente bianchi o neri secondo lo stato d’animo, dalla linea semplice e molto curati nei particolari, Despina ha un grembiule grigio sopra un vestito color sabbia.La regia di Pizzi, nel rispetto della simmetria a volte speculare delle coppie nelle scene d’insieme, è un sortilegio di piccole finezze, atte a sottolineare l’aspetto giocoso e trasgressivo della vicenda, ma anche i tormenti della tentazione, del dubbio, del cedimento. Chi non li ha provati? Sul versante musicale la delicata filigrana del tessuto strumentale, attenta ai cambiamenti d’umore nel groviglio di sentimenti contrastanti, permeata di una certa ironia, ma sempre portatrice della sublime aura leggera e amorosa tipica della musica mozartiana, è stata ottimizzata dall’Orchestra Regionale delle Marche diretta dal M° Riccardo Frizza, che ha dato una lettura frizzante alla ricca tavolozza di emozioni, accompagnandola perfino col canto. Le voci femminili erano le stesse di Ancona: molto brave nei loro ruoli il soprano Carmela Remigio (voce limpida e agile nei trilli e negli slanci, timbrata negli sbalzi e negli affondi, grintosa e di spessore in zona acuta, abile nel canto sfumato e di coloratura) per una Fiordiligi fresca, scintillante e sentimentale, il mezzosoprano georgiano Katevan Kemoklidze (con la capacità di alleggerire e modulare un grande mezzo vocale bello nel timbro e di certo spessore) per una temperamentosa Dorabella musicale e spigliata, il soprano napoletano Giacinta Nicotra (sciolta più nel canto che nelle pronuncia) per una Despina sfiziosa e trasformista, molto attratta dall’“idea di quel metallo”. Le due aristocratiche sorelle ferraresi cantano molto insieme incantevoli duetti in un’atmosfera sospesa determinata dalla musica e dal canto sul fil di seta. I ruoli maschili hanno avuto altri interpreti: il bravo basso marchigiano Andrea Concetti dotato di bel colore e notevole peso vocale si cala con padronanza scenica e vocale nel ruolo più che collaudato di Don Alfonso, il tenore argentino Juan Francisco Gatell dal bel colore chiaro, deciso nelle progressioni acute, melodioso e musicale nel canto a mezza voce, affronta con slancio e accento convincente l’ardua tessitura di Ferrando, il baritono tedesco (con vibratino) Andreas Wolf è un Guglielmo giovane e ardito. Tutti bravissimi attori.

Vedi anche recensione più dettagliata della recita ad Ancona del 23 gennaio 2011, pubblicata il 1° Febbraio 2011 su http://www.gliamicidellamusica.net/); Una Voce Poco Fa http://unavocepocofa915.blogspot.com/2011/02/cosi-fan-tutte-teatro-delle-muse-di.html

Giosetta Guerra